In den späten 1960er Jahren, als der Underground noch eine Einheit bildete, kamen in Konzerten oft recht unterschiedliche Stile zum Tragen, ob Rock, Folk, Jazz, Psychedelic usw. Den Konzertbesuchern konnte man das zumuten. Sie waren offen für vieles. Bei den Konzerten im Fillmore West in San Francisco kam es dabei zu den erstaunlichsten Begegnungen, wie ein Plakat belegt, das ein Konzert der englischen Band THE YARDBIRDS (featuring Jeff Beck & Jimmy Page) mit der US-amerikanischen Band IT'S A BEAUTIFUL DAY ankündigt. Als Dritter im Bunde wird der Jazz-Avantgardist CECIL TAYLOR aufgeführt, einer der Väter des freien Jazz.
Ich erinnere mich an eine ähnliche Konzert-Konstellation in der Turn- und Festhalle in meiner Heimatstadt Balingen 1971, als BRIAN AUGER'S OBLIVION ESPRESS mit ihrem heißen Acid-Jazzrock im Konzert mit der Karlsruher Gruppe FOURMENONLY (Flügelhorn: Herbert Joos) auftrat, einem der raren, hartgesottenen Freejazz-Ensemble damals, was nicht unbedingt auf reine Gegenliebe vonseiten des Publikums stieß, sondern eher ein paar konstanierte Konzertbesucher zurückließ. Wenn man heute die Musik sowohl von Brian Auger (mit dem Meistergitarristen Jim Mullen) als auch von FourMenOnly, die davor unter den Namen Modern Jazz Quintet Karlsruhe firmierten, wiederhört, erstaunt, wie frisch und wenig gealtert das alles klingt, obwohl es inzwischen mehr als ein halbes Jahrhundert zurückliegt.
Modern Jazz Quintet Karlsruhe / FourMenOnly: Complete Recordings (Ausschnitt) youtube
Brian Auger's Oblivion Express 'live', 1971 at The Roundhouse (youtube)
Die Orgel ist ein fülliges Instrument. Mit ihrem runden voluminösen Klang kann sie musikalische Räume ausfüllen, nicht nur in der Barockmusik, wo sie im Basso Continuo hervorragende Dienste leistet. Auch im Jazz der 1950 Jahre hat im damalig populären Orgeltrio die Hammond B-3 eine herausragende Rolle gespielt.
Allerdings: Was in den 1950er Jahren als letzter Schrei galt, hört sich heute oft weniger aufregend an. Das Orgeljazztrio, wie es Jimmy Smith und andere verkörperten, ist ein solches Bandformat, das schlecht gealtert ist und über die Jahre rapide an Attraktivität verloren hat.
Bandleader und Saxofonist Daniel Erdmann hat sich vorgenommen, das mit seinem Organic Soulfood-Trio zu ändern. Er knüpft dabei an Entwicklungen an, wie sie Larry Young (alias Khalid Yasin) von der Tony Williams Lifetime, aber auch progressive Rockgruppen wie Egg, in den Siebzigern unternahmen, um den Sound des Orgeltrios auf die Höhe der Zeit zu bringen, woran Medeski Martin & Wood später anknüpften.
Mit einem Bein in der Vergangenheit, mit dem anderen in der Gegenwart kreiert Erdmann’s Organic Soulfood eine Musik, die sich ihrer Souljazz-Herkunft bewußt ist und doch darauf abzielt, neue Funken aus diesem klassischen Jazzformat zu schlagen.
Jede der acht Kompositionen ist genau durchdacht, wobei jeweils ein anderer Ton angeschlagen wird, der Elemente aus Jazz, Rock, Latin und Funk auf unterschiedliche Weise und in verschiedenen Dosierungen mischt.
Daniel Erdmann's Organic Soulfood - Oh Sweet Unknown (Youtube)
Erdmann brilliert auf dem Tenor- und Sopransaxofon mit klaren Phrasen und sprudelnder Energie, während Drummer Jim Hart im Groove-Spiel die größte Wirkung entfaltet, aber auch in gedämpften Passagen mit den Besen umzugehen weiß. Die Orgel von Antonin Rayon, der auch Synthesizer spielt, sorgt für einen vollen Sound und wartet in den Improvisationen mit bunt schillernden oder funkelnden Tönen auf. Das klingt aufregend und frisch und haucht einem scheinbar antiquierten Bandformat neues Leben ein.
Daniel Erdmann’s Organic Soulfood: Into The Sweet Unknown (BMC Records)
Das Trio Crispell / Andersson / Østergaard-Nielsen
Aus historischen Gründen leiden Drummer bisweilen an einem Minderwertigkeitskomplex, den sie durch Hyper-Virtuosität und Hochgeschwindigkeit zu kompensieren versuchen. Michala Østergaard-Nielsen ist keine derartige Schlagzeugerin – im Gegenteil. Die Dänin, die in einem Dorf außerhalb von Kopenhagen wohnt und seit längerem auf der skandinavischen Jazzszene aktiv ist, steht für eine radikale Zurückgenommenheit und begreift sich eher als Komponistin, der es zuvörderst um ihre Kompositionen geht und nicht um Trommelartistik.
Hörimpuls:
Es dauert dann auch mehr als drei Minuten, bevor im Auftaktstück des Debutalbums ihres Trios mit Marilyn Crispell (Piano) und Thommy Andersson (Baß) überhaupt erst sachte Tupfer vom Schlagzeug zu vernehmen sind. Die Komposition The Cave wird vom Klavier getragen und besteht aus sparsam gesetzten Tönen und Akkorden, die eher an einen Kirchenchoral erinnern als an Jazz. Und dieses Stück setzt den Ton. Der anschließende Titel beginnt mit einem noch leiseren Zirpen auf den Pianosaiten, dem sich eine Meditation auf dem Baß anschließt. Eine derartig sensible Musizierweise durchzieht nahezu das gesamte Album, abgesehen von einer freien Ensemble-Improvisationen, bei der es in gewohnt heftiger Freejazzmanier zur Sache geht, was bei einer solch versonnenen Grundstimmung eher als störend empfunden wird.
Crispell / Andersson / Østergaard-Nielsen – The Cave (ILK Music)
Jason Seizer - ein Leben als Jazzmusiker, Veranstalter und Produzent
vlnr: Fabian Arends, Jonas Westergaard, Jason Seizer, Pablo Held (Foto: Jakob Stolz)
Ich fahre die Cannstatter Straße entlang, von Bad Cannstatt nach Stuttgart. Der Blitz kennt mich und ich schleiche wie alle Fahrzeuge brave 40 km/h, zum Zerreißen langweilig. Jason Seizers Modern Jazz CD Vertigo (Label Pirouet, 2020, Liveaufnahme im Studio 2 des Bayerischen Rundfunks) läuft, seine achte CD: romantisch, zärtlich gehauchtes Tenorsaxofon, plötzlich explodiert Jasons Kanne. Erst spitz und frech, in höchsten Tönen markerschütternd, nun abgrundtief. Zu jedem Atemzug verändern sich die Klangfarben. Jason zieht in dem Stück The Movie Suite alle Register, danach improvisiert das Jason Seizer Quartett das Vertigo Love Theme aus Hitchcocks Thriller frei und gefühlvoll dem Ende entgegen.
Jason Seizer, geboren 1964 in Stuttgart, sah ich erstmals 1984 im Bunker am Wilhelmsplatz Stuttgart. Wir probten mit Biznis Biznis, einer Stuttgarter Band mit Jazzanklängen. Jason war von meinem Saxofon angetan, ich lud ihn ein und spielte ihm John Coltranes LP Ballads vor. Wir kauften in der Buchhandlung Wittwer am Schlossplatz Biografien von Charlie Parker, John Coltrane und Miles Davis, wir stöberten in meiner Notenschule von Oliver Nelson und ich erzählte ihm von der Jazzstadt Stuttgart, meiner Jugend, langen Nächten im Publikum oder sogar auf der Bühne, als Teen, in Clubs wie dem "Atlantik" in der Büchsenstraße, später Berliner Platz, Hahnenhof oder Braunschweigers Jazzclubs am Rotebühlplatz. Eine neue Welt eröffnete sich ihm, er besorgte sich Charlie Parker Platten, die er in seinem VW Käfer auf Kassette hörte und wurde ganz verrückt danach, sein Verlangen schien grenzenlos. Er kaufte sich ein Sax, schloss sich in den Bunker ein und spielte wenige Wochen später auf dem Sommerfest der Kunstakademie seinen Parker und seinen Coltrane. Weitere Auftritte auf Partys und Jazzclubs folgten. Der Gig mit der Band Shot Light Blue, als Vorgruppe vor der New Yorker Fakejazz Band Lounge Lizards im Feuerwehrhaus Heslach bleibt Vielen in Erinnerung. Unvergesslich für mich: Wie er in einem himmelblauen Leinenanzug im L'Aleph als Gast bei der Szeneformation "Jazzbandneger" auftaucht. Dank eines Freundes, der 1984 das Moers Jazz Festival besucht hatte, war ich immer auf dem Laufenden. Von ihm bekam ich immer die besten Schallplattentipps, die ich wiederum Jason vorspielte. Julius Arthur Hemphill, die Scheibe hieß Georgia Blue, sie haute uns vom Hocker. Jason lieh sich die Platte aus, ich glaube für immer. In der Bar EXIL stand er am Flipper, er war der Beste und so erhielt er seinen Spitznamen nach dem Protagonisten eines Pinball-Films, der immer den High-Score holte. "Ich habe das gar nicht als Spitznamen empfunden, es war wie eine neue, zweite "Identität", schreibt Christian Otto Seizer per sms. Seinem Hund gab er den Namen Monk. Nach Thelonious Monk, dem unkonventionellen Jazzpianisten.
Jason ist "Blockflötenfan", seit dem Kindergarten bis zum Abitur vollbrachte er als ehrgeiziger Flötenschüler - angespornt von seinen Eltern - Höchstleistungen aber belegte im Landeswettbewerb nur den dritten Platz. Auf dem Heimweg wurde im Auto geschwiegen, seine Eltern und auch er waren enttäuscht. In der Jury saß auch mein Vater Luis Steiner, Leiter der Stuttgarter Musikschule und Gründer von "Jugend musiziert". Nachdem Jason von der Blockflöte zur Querflöte wechselte fiel ihm der Umstieg aufs Sax nicht schwer. Autodidakt Jason suchte den Kontakt zu Stuttgarter Jazzgrößen wie Frederic Rabold, er erkannte in Saxofonist Ekkehard Rössle einen Gleichgesinnten und mit ihm zog es Jason schließlich nach München, um bei Jürgen Seefelder Unterricht zu nehmen. Ein Wohnungstausch mit einer Münchnerin war praktisch: Jason ließ sich in der bayrischen Landeshauptstadt nieder. "In München ging‘s dann richtig los, unter eigenem Namen, das war im Herbst 1988, ich wurde in der Szene aktiv!" erzählt Jason Seizer. 1990 bis 1994 studierte er in Hilversum Saxofon. Wir hielten Kontakt und trafen uns zwischendurch im Jazzclub "Rogers Kiste". Jason redete holländisch. Prägend war sein Aufenthalt in New York im Frühjahr 1994: "Ein Flash! Unterricht bei Joe Lovano, von ihm habe ich ewig gezehrt, bekannte Jazzstücke, das war selbstverständlich, in allen Tonarten zu spielen. Wie man einen Ton bildet, beginnt und beendet." Die warmen Klangfarben und der Atemfluss, daran arbeitet Jason unaufhörlich. Er spielt ein Holzmundstück. Weite Öffnung und hohe Blattstärke erinnern an Trane, an John Coltrane.
Jason Seizer Quartet auf dem Jazzfest München 2020 (youtube)
"Als Jazzmusiker kann man leben", betont Jason im Gespräch, "man muss dafür etwas tun, denn nur 5 Prozent sind Talent, der Rest ist Üben, Arbeit, möglichst ohne Druck aber mit viel Geduld." Die Konkurrenz ist groß. "Früher gab es im deutschsprachigen Raum drei Hochschulen mit dem Studiengang Jazz, heutzutage 27 allein in Deutschland!" Jason nennt sich free lancer. Er übernimmt allerlei Aufgaben:
Als CD-Verkäufer in einer Jazzabteilung, 1989 als Roadmanager für den Jazzbassisten Buster Williams, als Saxofonlehrer und als freier Saxofonist in Bigbands oder auf Hochzeiten, er hat alles in den 90ern ausgeschöpft. Er leitete von Januar 2000 bis Dezember 2001 den Münchner Jazzclub Unterfahrt. "Ich hab alles gemacht, außer Bierverkauf, 90 Stundenwoche!"
2003 gründete er mit dem Münchner Kaufmann Ralph Bürklin das Label Pirouet Records. Nun als Produzent und Toningenieur tätig, etabliert er es als eines der wichtigsten Jazz-Independent-Labels Europas mit internationalem Portfolio. "Bei der Labelarbeit, insbesondere während der Aufnahme im Studio geht es darum, eine gute Umgebung und Atmosphäre für die Musiker zu schaffen, um den musikalischen Prozess an sich. Und Warten können ist wichtig. Warten im Sinne von Sergiu Celibidache der einmal gesagt haben soll: Musik kann man nicht machen, Musik passiert."
Von 2013 bis 2016 präsentiert Jason den Jazz Salon auf der Kleinkunstbühne Heppel & Ettlich, zwei Freaks aus der alten Schwabinger Szene und in einer Weinhandlung veranstaltet er die Reihe Wein & Jazz. 2020 und 2023 veranstaltete Jason in Eigenregie das dreitägige Münchner Jazzfestival Muctones "Musik im Wohnzimmer". Diese Wohnzimmeratmosphäre gefällt ihm, "Leute zusammenbringen", das ist sein Anliegen. "2026 vielleicht wieder". Seit 2015 spielt er in seinem aktuellen Quartett, in Clubs, auf Festivals und Tourneen. Kontinuität und warme Atmosphäre zeichnen die Vier aus. Am Piano sitzt Pablo Held, am Schlagzeug Fabian Arends, Bass spielt Jonas Westergaard. Nicht Perfektion, sondern Wege erproben und Freundschaft stehen im Vordergrund. Eine neue CD ist in Aussicht, Balladen sollen es sein.
Aktuell übernahm Jason, der bisher bereits 180 Alben aufgenommen und abgemischt hatte das Studio Kyberg, in dem er bereits als Produzent und Tonmeister arbeitete, einen "open creative space. Dieser Raum ist ein Instrument!" freut er sich. Für Aufnahmen, Konzerte, für Live-Aufzeichnungen, für eigene Projekte. "Das ist schon verrückt, heute produziert jeder zu Hause am Laptop und wir haben einen ganzen Raum von 80 Quadratmeter! Ich will Menschen verbinden", betont er noch einmal und das glaubt man der reifen Persönlichkeit aufs Wort.
An ein Erlebnis im Jazzclub Bix in Stuttgart erinnert sich Jason: Im Jahr 2008, da stand ihm einfach eine blöde Mikrofonkiste auf der Bühne im Weg, irgendwie kam ihm so Manches seltsam vor: Damit waren Auftritte in Stuttgart erst einmal erledigt. Aber er kommt regelmäßig nach Stuttgart, bringt seine Neuerscheinungen vorbei, mal grillen wir einen Oktopus oder sitzen nur herum. In meinem Punkbuch über Stuttgart kommt er auch vor, denn er spielte tatsächlich mit Mitschülern aus dem Karlsgymnasium in so ner Art Punkband, frühe 80er. Ich glaube, dass Stuttgart immer noch Heimatgefühle in Jason weckt. Bald sieht man sich in Stuttgart wieder. Jason auf der Bühne, Solo, im Duo oder Trio. Oder mit seinem aktuellen Quartett.
Simon Steiner ist freier Autor. Er schrieb das Buch "Wie der Punk nach Stuttgart kam" (edition-randgruppe) und zahlreiche Artikel über seine griechische Lieblingsmusik Rembetiko, die er mit Klaus Pfeiffer und Gästen auch live spielt. Er arbeitete als Lehrer, Lehrerausbilder und im Bereich Sprachförderung für das Jugendamt Stuttgart.
Mary Halvorson (Gitarre) und Sylvie Courvoisier (Piano) zählen zu den herausragenden Persönlichkeiten der New Yorker Jazzszene. 2017 haben sie bereits ein gemeinsames Album eingespielt, an das sie jetzt anknüpfen. Bone Bells besteht aus acht Kompositionen, von denen jeweils vier von den beiden Beteiligten stammen. Die Musik bewegt sich entlang den avancierten Rändern des zeitgenössischen Jazz, greift gelegentlich in atonales Terrain aus und bezieht Elemente der Minimal Music und der avantgardistischen E-Musik ein.
Wenig wird dem Zufall überlassen. Disziplin und Präzision prägen das Geschehen. Die Kompositionen sind bis ins Kleinste durchgeplant, selbst die Improvisationen scheinen genauen Vorgaben zu folgen. Dabei gelingt es dem Duo, einen Klangraum zu schaffen, der ganz und gar ihr eigener ist.
Sylvie Courvoisier & Mary Halvorson: Bone Bells (youtube)
Die Musik ist von äußerst quirliger Natur, sprudelt vor Übermut und kühnen Ideen, die nicht selten eine überraschende Wendung nehmen. Halvorson wartet mit eine paar raffinierten Saiten-Tricks auf, während Courvoisier ab und zu im Inneren des Pianos agiert, um andere Klangfarben zu erzeugen. Im „Nags Head Valse“ kommt sogar eine Portion Humor ins Spiel, wenn die beiden in schalkhafter Manier mit dem Walzer Schabernack treiben, während das Album sie insgesamt im Zenit ihres kreativen Schaffens zeigt.
Die Bassklarinette ist im Jazz nicht gerade ein gebräuchliches Instrument. Eric Dolphy hat ihr in den 1960er Jahren zum ersten Mal zu Prominenz verholfen. Dann trug Anfang der 1970er Jahre ihr spezieller Klang, gespielt von Bennie Maupin, auf Herbie Hancocks “Sextant”-Album zum eigenständigen Sound seines Mwandishi-Sextets bei. Danach ließ Ned Rothenberg in den 1980er Jahren mit ein paar beachtlichen “mehrstimmigen” Bassklarinetten-Titeln aufhorchen, während sich heute Improvisatoren wie Rudi Mahall fast vollständig der Bassklarinette verschrieben haben.
Chris Cundy ist ein Musiker aus Großbritannien, der nunmehr bereits sein drittes Album ausschließlich mit Solomusik auf der Bassklarinette vorgelegt hat. Einst fand der Holzblattbläser durch Eric Dolphy zu dem Instrument. Wem Solomusik zu speziell erscheint oder zu spartanisch (wegen der fehlenden Band), sollte seine Resentiments zurückstellen und Cundy eine Chance geben, denn seine Bassklarinetten-Musik ist weder spröde noch abstrakt, sondern schwebt auf wunderbare Weise zwischen Melodie, Sinnlichkeit und Imagination.
Sein Klang ist warm, selbst wenn er in die Oberton-Lagen des Instruments geht. Und dann erst die Tiefenzonen, die Basstöne – sie lassen den Klang des Instruments noch sonorer als sonst in Erscheinung treten. In ihrem natürlichen Fluß, ihrer Verschlungenheit und Vielschichtigkeit erinnern manche von Cundys Stücken entfernt an die barocken Solowerke von Johann Sebastian Bach, in der Art wie er Motive anspielt, kontrapunktisch weiterführt und weiterdenkt, um dann wieder aufs Anfangsthema zurückzukommen. Das ist stimmig und zeigt einen Künstler mit eigenem Kopf und von beachtlicher Reife.
Chris Cundy: Of All The Common Flowers (ear to the ground ETG)
Zweimal hab ich ihn zum Interview getroffen – einmal in London, ein andermal in Halifax, als er mit den Two Pale Boys dort ein Konzert gab. Beim ersten Mal in den 1990er Jahren bekam ich vorab vom Management ein Fax zugeschickt, auf dem die Regeln für das Interview festgeschrieben waren. Eine hieß: keine Fragen zu Glaube und Religion, weil er – wie das Gerücht damals ging – sich den Zeugen Jehovas angeschlossen hätte. Eine andere Regel lautete: "Don't call him Dave". Ich habe mich dran gehalten. Wie sich im Gespräch mit ihm herausstellte, war David Thomas ein Intellektueller von höheren Graden, der viel Interessantes zu sagen hatte. Als sein Lieblingsalbum und beste LP der Rockgeschichte überhaupt nannte er "Smile" von den Beach Boys, das Album, das nie erschienen ist – so könne es sich jeder als die schönste Musik imaginieren, die man sich nur vorstellen kann. Jetzt ist der Sänger und Frontmann von Pere Ubu im Alter von 71 Jahren gestorben.
Hier ein Text, den ich 2007 für den Schwarzwälder Boten über ihn verfasst habe.
Der Frauenfresser
David Thomas verwandelt Rockmusik in absurdes Theater
David Thomas & Pere Ubu, 2006 (Promo)
Nicht nur wegen seiner Körperfülle ist der amerikanische Rocksänger David Thomas eine imposante Erscheinung. Sein Gesang hat ebenfalls Volumen. Im exzentrischen Tremolo seiner Stimme drückt sich sein überspanntes unberechenbares Wesen aus, das so berühmt wie berüchtigt ist. Mehr als einmal hat der amerikanische Rockvokalist einen Auftritt aus Zorn und Frustration abgebrochen, weil ihm irgend etwas nicht passte. Dann knallt er den Mikrophonständer in eine Ecke und giftet seine Mitmusiker, die Soundleute oder das Publikum an. Dämonen scheinen in seinem Inneren zu wüten.
Seit mehr als 30 Jahren ist David Thomas Chef und Frontmann der amerikanischen Rockgruppe Pere Ubu, die heute in der alternativen Szene Kultstatus genießt. Wie Mark E. Smith von The Fall zählt er zu den “bösen Jungs des Rock”, die immer wieder für negative Schlagzeilen sorgen, aber trotzdem unbeirrbar ihrem eigenen künstlerischen Kompass folgen. Sie verwandeln Rockmusik in ein ernstzunehmendes künstlerisches Medium, ohne ihr den Stachel zu ziehen.
Mit Pere Ubu schmiedet David Thomas die explosive Wildheit von Rock ‘n’ Roll, Punk und New Wave in ein Ausdrucksmittel um, das selbst Avantgardisten aufhorchen läßt. Die Songs kommen mit einer brachialen Wucht daher, die Rhythmen sind unnachgiebig hart. Dazu skandiert er Texte, die literarische Qualität besitzen. In ihnen hat der Wahnsinn Freigang.
Trotz Kritikerlob ist die Band immer eine Außenseiterformation geblieben, obwohl sie wegen der rauschhaften Poesie und ungestümen Stimmeskapaden für Kenner als eine der besten Rockgruppen der Welt gilt. “Landschaften und ihre Menschen sind für meine Songs wichtig”, erklärt Thomas. “Ich möchte wissen, wie sie einander gegenseitig prägen. Was mich an Leuten interessiert, sind ihre Unterschiede, ihre verschiedenen Mentalitäten, die teilweise aus der Kultur kommen und mit dem Platz zu tun haben, wo sie leben.” Für David Thomas ist Cleveland in Ohio dieser magische Ort, wo er die wichtigste Zeit seines Lebens verbracht hat. Hier in der Industriemetropole am Eriesee im amerikanischen Mittelwesten hat er seine Wurzeln, obwohl er schon seit längerem in Großbritannien lebt.
In Cleveland wurde Pere Ubu 1975 aus der Taufe gehoben. Die erste Single führte zu einem Plattenvertrag, dem Album auf Album folgten. Obwohl die Presse jubelte, brach die Band 1979 auseinander, zermürbt von Tourneestress und inneren Spannungen. Frisch verheiratet, siedelte Thomas nach London über, wo er mit einer kleinen Begleitformation weitermachte, aber auch etliche Soloalben veröffentlichte, auf denen er sich gelegentlich von ehemaligen Ubu-Mitgliedern begleiten ließ. Dem zermürbenden Rockgeschäft enthoben, konnte Thomas Spontaneität und Kreativität zurückgewinnen und neue Horizonte erschließen. 1987 waren die Blessuren soweit abgeklungen, dass ein zweiter Anlauf möglich war. Das 1995 zum zwanzigjährigen Bandjubiläum erschienene Album ‘Ray Gun Suitcase’ wurden zu einem Meilenstein der Rockgeschichte.
Heute haben die Konzerte der Band wieder den Intensitätsgrad der Anfangszeit erreicht, wobei auf der Bühne die Funken nur so sprühen. Verse werden wie im Delirium gelallt, Worte geröchelt und gekeucht, Silben bis zur Unkenntenlichkeit zerkaut. Die Gitarre kreischt dazwischen. Das Schlagzeug hämmert eine unerbittlichen Beat. In den Songs spielt das Unterbewußtsein mit dem Verstand Katz und Maus, verschwimmt die Wirklichkeit in Trugbilder und Albträume.
Auf der Bühne läßt David Thomas seinen inneren Monstern freien Lauf. “Why I hate Women” (Glitterhouse) heißt das aktuelle Album der Band, wobei offen bleibt, ob der Titel ernst oder ironisch gemeint ist. Wahrscheinlich: beides! Nicht ohne Grund hat sich die Band den Erfinder des absurden Theaters Alfred Jerry als Patron gewählt. Sein bekanntestes Stück heisst Pere Ubu.
Die doch recht unscheinbare Hohenzollernstadt Hechingen bei Tübingen ist nicht gerade als Jazzmetropole bekannt. Ende der 1960er Jahre wurde sie jedoch für ein paar Jahre zu einem Brennpunkt der Jazzpublizistik. Organisiert vom Kunsthistoriker und Jazzautor Dr. Carl Gregor Herzog zu Mecklenburg, der in der Villa Silberburg im Hechinger Fürstengarten wohnte und viel in der Zeitschrift Jazzpodium publizierte, außerdem etliche Bücher u.a. über Blues und Jazz veröffentlicht hatte, fanden dort einmal im Jahr die HECHINGER JAZZGESPRÄCHE statt. Sie zogen Fachleute von Rang an wie Dr. Ekkehard Jost oder Gerhard Kubik aus Wien, ein Musikethnologe und Kenner afrikanischer Musik. Bei den Jazzgesprächen 1970 stand der Freejazz im Zentrum der Diskussion.
Carl Gregor Herzog zu Mecklenburg bei seiner Geburtstagsfeier zum 80sten im Jahr 2013
Thärichens Tentett mit mächtigem Sound beim Jazzclub Singen im Kulturzentrum Gems
Fotos: C. Wagner
Wer heute im Jazz noch eine Bigband betreibt, muß ein verwegener Hasardeur sein. So könnte man das sehen, denn die Zeit der großen Jazzorchester ist längst vorbei. Heute dominieren kleinere Ensembles in der Jazzszene, was vor allem wirtschaftliche Gründe hat. Außer öffentlich-rechtlichen Rundfunkanstalten kann sich heute kaum noch jemand den Unterhalt einer Jazzbigband leisten, weil das Publikum schlicht zu klein ist. Als Lionel Hampton mit seinem Orchester 1958 auf dem Stuttgarter Killesberg gastierte, strömten 4.000 Fans zu seinem Auftritt. Heute bringt keine Bigband auch nur annährend eine solche Zuschauermenge auf die Beine.
Ein paar wenige Bandleader stemmen sich gegen den Trend, so der Berliner Pianist, Komponist und Arrangeur Nicolai Thärichen (Jg. 1969), der es auf erstaunliche Weise fertig gebracht hat, eine kleine Bigband aus zehn Musikern 25 Jahre lang am Leben zu erhalten. Dem alleine schon gebührt Respekt – Chapeau!
Thärichens Tentett, das am Samstag beim Jazzclub Singen zu Gast war, besteht aus Musikern aus der ersten Liga des deutschen Jazz, alles Könner von beträchtlichem Format, die sowohl im punktgenauen Notenblattspiel glänzten, als auch in den Improvisationen punkten konnten. Für ein konsistentes Konzertprogramm sorgte der Bandleader, der dafür jeweils ein bestimmtes Thema wählt. Gemäß dem Titel „Liebe, Glück und Einsamkeit“ des neusten Albums der Band kamen Songs zur Aufführung, die diese Thematik von verschiedenen Seiten beleuchteten. Dazu gesellten sich Nummern aus früheren Alben, darunter der Beatles-Hit „Paperback Writer“, was insgesamt eine bunte Vielfalt aus Swing, Funk, Rock, modernem Jazz und Pop ergab. All das kam in der Gems zum Zuge und noch vieles mehr: Das Stück „Oh Solitude“ des englischen Renaissance-Komponisten Henry Purcell, das die Vorzüge der Einsamkeit preist, hat Thärichen ebenfalls für Jazzensemble eingerichtet. Außerdem diente ihm das Gedicht „Keepsake Mill“ des schottischen Schriftstellers Robert Louis Stevenson (1850-1894), Autor der „Schatzinsel“, für einen Liedtext.
Mit einem solch vielfältigen Programm gelang es Thärichens Tentett, die Vorzüge eines großen Jazzensembles voll zur Geltung zu bringen. Die Arrangements schillerten in vielen Farben und machten dabei von einer breiten Palette von eher ungebräuchlichen Instrumenten Gebrauch – von der Baßklarinette über die Alt-Querflöte bis zum Baritonsaxofon. Dazu kam die ungeheure Wucht, die ein voller Bläsersatz entfalten kann, wenn er unterstützt von einer formidablen Rhythmusgruppe in Aktion tritt. Diese Qualitäten sorgten für Begeisterung unter den zahlreichen Zuhörern und bescherten dem Jazzclub Singen ein weiteres hervorragendes Konzert.
Zum Tod des einzigartigen Singer-Songwriters Michael Hurley
Foto: Patrick Bunch/Promo
cw. Hinter dem Schnauzbart, den ausgebleichten Haaren und dem verwitterten Gesicht verbarg sich ein schüchternes Wesen: der amerikanische Folksänger Michael Hurley war ein Eigenbrötler mit sanftem Gemüt. Reden tat er nicht viel und machte kein großes Aufhebens um seine Person. Lieber schraubte er daheim auf dem Land in Oregon an verbeulten PKWs
herum, als sich im Applaus der großen Bühnen zu sonnen. Am 1. April 2025 ist Michael Hurley im Alter vom 83 Jahren verstorben.
Der Rückzug ins Private fiel Hurley immer schwerer, seit ihn eine junge Generation von Folk- und Rockmusikern entdeckt hatte: Cat Power, Hiss Golden Messenger und Yo La Tengo – sie alle haben Songs von ihm gecovert, Devendra Banhart und Will Oldham haben sich als Fans geoutet und die Folk-Chanteuse Josephine Foster sang sogar auf seinem letzten Album mit.
Es ist fast 60 Jahre her, als Hurley zum ersten Mal mit seiner Gitarre in den Folkclubs von New York auftrat, wo er mit den Holy Modal Rounders jammte, den Erfindern des psychedelischen Folk. Er lernte weitere Instrumente: Mandoline, Banjo und Fidel. “Mir gefällt alles, was Saiten und einen Resonanzkörper hat,” sagte er mir in einem Unterview. In den siebziger Jahren nahm er für Warner Brothers zwei Alben auf – ein kurzer Flirt mit der großen Plattenindustrie. Immer wieder nahm er Brotjobs an, ob als Kinoputzer, Bretzelverkäufer oder Automechaniker, um sich nicht als Popmusiker verkaufen zu müssen.
Michael Hurley – Oh my stars (youtube)
Vom neuerlichen Rummel um seine Person blieb seine Musik völlig unberührt. Sie klang immer noch so hausgemacht wie vieles in seinem Leben: Hurley braute sein Bier und seinen Most selber, baute sein eigenes organisches Gemüse an samt Hanf und malte, wenn er Zeit und Lust hatte, verschrobene Karikaturen oder skurrile Aquarelle, die auch die Cover seiner Alben schmückten.
Seine Musik war die uneitelste, die man sich denken kann. Vollgesogen mit Blues, Cajun- und Hillbilly-Melodien war sein Stil ein wunderbarer Mix aus den verschiedenen Folktraditionen des alten Amerika: verhalten, locker gespielt, und unprätentiös kam sie daher: Hurley spuckte keine großen Töne! Seine Lieder wirkten so gemächlich wie das Leben, das er führte, während sich die Texte um Dinge drehten, die einem die Welt gelegentlich als einen etwas freundlicheren Ort erscheinen ließen, was einen Sinn für die Tiefen der Existenz nicht ausschloß. Ernsthaftigkeit und Charme prägten die Songs, auch ein verschmitzter Humor blitzte manchmal auf: Michael Hurley eben – der letzte seiner Art.
Das Duo von Aki Takase und Daniel Erdmann beim Jazzclub Singen in der Gems
Fotos: C. Wagner
Neben Louis Armstrong und Miles Davis ist Duke Ellington (1899–1974) eine der Gallionsfiguren des Jazz. Der amerikanische Pianist, Komponist und Bandleader wird von Traditionalisten wie Avantgardisten gleichermaßen geschätzt. Ehrerbietungen an den Meister gibt es viele. Eine stammt von der Pianistin Aki Takase, die 2012 Ellington ein Album widmete und jetzt mit dem Saxofonisten Daniel Erdmann dem Jazzheiligen abermals huldigte.
Eigentlich gelten Takase und Erdmann als Modernisten, aber wie werden sie Stücke angehen, die noch aus einer Zeit stammen, als Jazz Tanzmusik war? Mit Respekt vor den Originalen, ohne vor Ehrfurcht zu erstarren, lautete die Antwort, die sie im Konzert beim Jazzclub Singen in der Gems vor gutgefüllter Kulisse gaben. Ellington wurde nicht zerhackstückelt oder musikalisch massakriert, sondern als „Remix“ mit akustischen Instrumenten neu belebt, wobei es Takase und Erdmann mit Witz und Charme gelang, neue Funken aus den alten Kompositionen zu schlagen.
Den Werken von Ellington sowie einer Referenz an den Meister von Charles Mingus (Titel: „Duke Ellington’s Sound of Love“) stellten Takase und Erdmann ihre eigenen Stücke gegenüber, die oft allerneusten Datums waren und sich manchmal mehr, manchmal weniger und manchmal überhaupt nicht auf Ellington bezogen. Solche Eigenkompositionen fielen um einiges radikaler aus und tummelten sich nicht selten in atonalen Gefilden, wobei Takase dann die Tasten des Flügels mit den Fäusten oder dem Ellbogen traktierte, während Erdmann Spalttöne produzierte und sich in Überblastechnik erging. Mit Heftigkeit und ungestümer Kraft wurden die Klänge herausgeschleudert, doch uferten solche freien Improvisationen nie aus, sondern fanden immer wieder zielgenau zum Wesenskern des jeweiligen Stücks zurück.
Einer der bekanntesten Titel von Duke Ellington ist „Caravan“ auf dem Jahr 1936, eine der meist gecoverten Jazznummern überhaupt, den Takase und Erdmann in Passagen fast schon ruppig angingen. Dem gegenüber traten ruhigere Stücke, die balladenhaft eine melancholisch-versonnene Atmosphäre verbreiteten. Mit solchen Stimmungswechseln sorgten die beiden für ein fein ausbalanciertes Konzert zwischen den Polen sanft und ungestüm. Als Zugabe brachte der Ragtime „I Let A Song Go Out Of My Heart“ aus dem Jahr 1938 zusätzlich noch eine Portion Humor ins Spiel. Der Ellington-Song veranlaßte Takase und Erdmann, sich untergehakt, ausgelassen und singend im Tanzschritt über die Bühne zu bewegen, was vom Publikum mit stürmischem Applaus quittiert wurde.
Takase & Erdmann spielen „I Let A Song Go Out Of My Heart“ / youtube
Jazzveteran Marshall Allen nimmt mit hundert Jahren sein erstes Soloalbum auf
Foto: Hans Kumpf
Jungen Jazzmusikern kann es heute oft nicht schnell genug gehen, ein eigenes Album zu veröffentlichen. Dagegen schlägt Marshall Allen ein anderes Tempo an. Der Saxofonist hat hundert Jahre gebraucht, um seine erste Platte unter eigenem Namen aufzunehmen. Der Afroamerikaner mit Zottelbart und Baseball-Mütze, der immer noch gerne eine raucht, gilt als ältester aktiver Musiker auf der internationalen Jazzszene. Nach dem Tod seines Bandleaders Sun Ra übernahm er vor 30 Jahren die Leitung des legendären Arkestras, dem er sich Ende der 1950er Jahre angeschlossen hatte. Seither hat er mit der Gruppe zahllose Konzerte überall auf dem Globus gegeben und zig Einspielungen gemacht, doch nie ein eigenes Album vorgelegt.
Allen kam 1924 in Louisville, Kentucky zur Welt, in einer Zeit, als Bluesmusiker noch auf der Straße sangen, Louis Armstrong im Radio spielte und Boogie-Woogie-Pianisten in der Kneipe um die Ecke. All das hat ihn geprägt. „Die erste Jazzband, die ich live hörte, war Fletcher Henderson, die bei einer Tanzveranstaltung im Gemeindesaal unserer Stadt auftrat,“ erinnert sich Allen. „Sie war der Grund, warum ich mich für Jazz begeisterte.“
Der Teenager lernte Saxofon und kam 1948 mit einer Militärkapelle nach Paris, um Konzerte in halb Europa zu geben. In der Schweiz nahm er damals ein Album mit Saxofonstar James Moody auf. Zurück in den USA ließ sich Allen in Chicago nieder. Dort hörte er von einer Combo, die sonderbare Musik machte. Sie wurde von einem Esoteriker geleitet, der vorgab, vom Planeten Saturn auf die Erde gekommen zu sein. Allen war fasziniert, nahm Kontakt zu Sun Ra auf und wurde nach einer schier endlosen Probezeit aufgenommen.
Sun Ra & His Intergalactic Arkestra mit Marshall Allen (links), Donaueschingen, 1971 (Foto: Jörg Becker)
Nicht lange und das Sun Ra Arkestra zog nach New York, mitten hinein in die brodelnde Musikszene. „Als Musiker konnte man überall Arbeit finden. Ich trat zeitweise mit Perez «Prez» Prado auf, dem «King of the Mambo». Auch Highlife-Bands haben mich engagiert, obwohl ich gleichzeitig bei Sun Ra spielte,“ erzählt Allen. „Ich musste Geld verdienen und arbeitete mit jedem zusammen, der mich bezahlte.“
Sun Ra ging mit der Zeit. Avantgarde-Klänge hielten Einzug, es wurde frei improvisiert und gleichzeitig weiterhin der alte Bigbandstil gepflegt. 1968 zog die Gruppe nach Philadelphia, wo Allen bis heute mit anderen Bandmitgliedern in einem gemeinsamen Haus wohnt.
Marshall Allen – New Dawn; Promovideo Youtube
In der Vielfalt der Stile hat Sun Ra Spuren auf Allens Soloalbum hinterlassen. Die Platte hat der Veteran mit Gästen aufgenommen, von denen der Bassgitarrist Jamaaladeen Tacuma, einst Weggefährte von Ornette Coleman, und die Sängerin Neneh Cherry, Tochter des Jazztrompeters Don Cherry, die prominentesten sind. Allerdings wäre es von einem so Hochbetagten etwas viel verlangt, den Finger immer noch am Puls der Zeit zu haben. Vielmehr gleicht das Album einem Schnelldurchlauf von Allens nahezu 80jähriger Karriere. Es beginnt mit dem Zirpen von Sun Ras Sonnenharfe, dann geht es mit einem handfesten Jumpblues zurück in die Jugend. Auch der Bigbandsound darf nicht fehlen, so wenig wie ein Latin-Stück. Manchmal wird frei improvisiert, dann wieder balladenhaft musiziert, bisweilen schon fast schnulzig.
Natürlich spielt man in einem solchen Alter nicht mehr mit dem Feuer der Jugend. Ab und zu schwächelt Allens Ansatz, die Finger laufen nicht mehr so flink. Aus dem Handicap hat der Senior eine Tugend gemacht, indem er bedächtiger, singbarer und ruhiger spielt. Marshall Allen ist im Zen des hohen Alters angekommen.
Marshall Allen: New Dawn (Mexican Summer)
Der Artikel erschien zuerst in der Neue Zürcher Zeitung (NZZ)
