MILES DAVIS Biographie

Am Puls der Zeit

Der Musikjournalist Stefan Hentz zeichnet die Lebenslinien des Jazzstars Miles Davis nach

Foto: Hans Kumpf

  

Man begegnet ihm auf unzähligen Schallplatten, CDs und Re-Issues. Er ist Stoff von Spielfilmen, Fernseh-Dokus und Graphic Novels, ja selbst als kleine Komikfigur aus Plastik mit Trompete gibt es ihn: Miles Davis ist der bedeutendsten Jazzmusiker in der 2. Hälfte des 20. Jahrhunderts. Dem afroamerikanischen Trompeter, Komponist und Bandleader gelang, was nur wenigen Künstlern glückt: Sich immer wieder neu zu erfinden und so über Jahrzehnte die musikalische Entwicklung im Jazz maßgeblich zu beeinflussen. 

Am 26. Mai 2026 wäre Miles Davis hundert Jahre alt geworden, was der Musikjournalist Stefan Hentz zum Anlaß genommen hat, ihm eine exzellent recherchierte Biographie zu widmen. Die Publikation zeichnet minutiös die lebensgeschichtlichen Etappen und musikalischen Entwicklungsschritte nach, die Miles Davis zum „größten Star im Jazzuniversum“ (Stefan Hentz) machte und grundiert sie mit zeitgeschichtlichem Kolorit, ob kultureller, sozialer oder politischer Art. Zudem versucht Hentz die Wesensart dieses wohl einzigen Jazzmusikers mit Popstar-Appeal zu ergründen, der immer eine ziemlich undurchschaubare Persönlichkeit geblieben ist und viele widersprüchliche Haltungen in sich vereinte. „Prince of Darkness“ nannten sie ihn.

Im Unterschied zur umfangreichen Miles Davis-Literatur, die sich häufig auf die Glanzpunkte seiner Karriere von den 1950er bis in die 1970er Jahren konzentriert, wählt Hentz die Endphase seiner Laufbahn als Einstieg. Damals lief der Trompeter zum groovenden Funkjazz über, und aus dem elektrischen Miles wurde ein elektronischer. 

Plakat: Günter Kieser

Nach etlichen Jahren Auszeit im Drogendelirium, von Depressionen geplagt und mit Krankheit geschlagen, hatte sich Davis in den 1980er Jahren mit Hilfe junger Musiker in die Jazzszene zurückgetastet. Ihm war wichtig, abermals eine Musik am Puls der Zeit zu machen, was bedeutete: den Sound des heraufziehenden digitalen Zeitalters einzufangen, wobei ihm Prince als Leitstern diente. 

Die Studioarbeit überließ er nunmehr jüngeren Musikern seines Vertrauens wie dem Bassisten Marcus Miller. Jetzt improvisierte keine Gruppe mehr im Studio, wie noch zehn Jahre zuvor. Vielmehr wurden mittels Overdubbing Instrumentalisten je nach Bedarf herangezogen, die Miles nie traf, weil er seinen Trompeten-Part erst am Ende über die vielschichtigen Arrangements legte. Diesen letzten Abschnitt im Leben von Miles Davis, der 1991 verstarb, stellt Hentz an den Anfang seines Buchs, um von dort die Lebenslinien nachzuzeichnen, die zu diesem Schlußakt führten. 

Promo-Foto

Aufgewachsen in einer wohlhabenden afroamerikanischen Familie in East St. Louis, wird für Miles Davis der Jazz und die Trompete früh zu seiner Leidenschaft. Der Teenager spielt in Bigbands und Tanzkapellen, hat Lehrer, die nichts durchgehen lassen. Als Aushilfe erhält er in der Band des Sängers Billy Eckstein seinen ersten professionellen Job. Dort begegnet er dem Trompeter Dizzy Gillespie und dem Altsaxofonisten Charlie Parker, die ihn ermuntern nach New York zu kommen, wo in Minton’s Playhouse in Harlem gerade eine musikalische Revolution stattfindet. Der Swing der Bigband-Ära wird vom hektischen Bebop herausgefordert. Der 18jährige wird Mitglied in der Band von Charlie Parker, mit der er erste Plattenaufnahmen macht. Sein Aufstieg ist rapide. Bald zählt Davis zum führenden Kreis dieses Stils

Doch den jungen Trompeter drängt es zu neuen Ufern. Als Gegenstück zum Bebop entwirft er mit dem Arrangeur Gil Evans einen abgeklärten, lyrisch-verhangenen Cooljazz, wobei der gestopfte, oft melancholische Trompetenton nun zu seinem Markenzeichen wird. Durch den Saxofonisten John Coltrane steigert sich die Intensität seines neuformierten Sextetts erneut, dem 1959 mit Kind of Blue ein Klassiker gelingt – mit fünf Millionen Exemplaren das meistverkaufte Jazzalbum aller Zeiten. Mit einem neuen Quintett und dem quirligen 17jährigen Tony Williams am Schlagzeug wächst Miles Davis Mitte den 1960er Jahren auf dem Album E.S.P. über Cooljazz und Hardbop hinaus. 

Als die Rockmusik mit den psychedelischen Klanggewittern eines Jimi Hendrix Ende der 1960er Jahre zum Emblem der Zeit wird, öffnet sich Miles Davis den elektrischen Sounds. Er avanciert zu einem Pionier des Jazzrock, der seine Trompete mit Verzerrer und Wah-Wah-Pedal spielt und seine Alben aus den Studio-Sessions in nachhinein am Schneidetisch zusammenbastelt. Nun tritt er bei riesigen Rockfestivals vor Hunderttausenden junger Popfans auf, so auf der englischen Isle of Wight im Sommer 1970. Miles Davis ist im Zenit seiner Popularität angekommen.  

Umso krasser ist der Absturz. Drogen, Frauengeschichten und gesundheitliche Probleme lassen den kreativen Aku leerlaufen. Für den Biographen Stefan Hentz schließt sich hier der Kreis: Als Miles Davis aus diesem düsterer Lebensabschnitt wieder auftaucht, schlägt er mit dem elektronischen Funkjazz ein weiteres Kapitel seines kreativen Schaffens auf – das finale.

Stefan Hentz: Miles Davis – Sound eines Lebens. Reclam Verlag; 385 Seiten, 35 Abbildungen. Euro 32.-

Besprechung: Von Abba bis Zappa

AUS DER ZEITSCHRIFT:

SCHWÄBISCHE HEIMAT 2026-2

SCHEIBENGERICHT Nr. 59: Matt Gold & Dustin Laurenzi

Spielart des Minimalismus

Matt Gold & Dustin Laurenzi

Devotional Fade

We Jazz Records

Multiinstrumentalist Matt Gold (mit der Gitarre als Hauptinstrument) und Saxofonist Dustin Laurenzi sind auf der Chicagoer Szene aktiv, wo sie in einem stilistischen Spektrum zwischen Jazz, Folk und Rock mit so unterschiedlichen Musiker und Musikerinnen wie Jeff Parker, Makaya McCraven, Bill Callahan und Natalie Merchant gearbeitet habe. Die Musik, die die beiden zusammen in Szene setzen, kann als eine Spielart des Minimalismus’ beschrieben werden, allerdings improvisiert. Das Duo arbeiten mit Repetition, viel Hall und Elektronik sowie Langtönen, wobei Stücke entstehen, deren unterschiedliche Stimmen wie die Räder eines Uhrwerks in einander greifen. Bei manchen Nummern kommt außerdem eine Rhythmusmaschine ins Spiel.

Matt Gold ist für das Fundament verantwortlich, das manchmal elegisch klingt, ein andermal rhythmisch nach Dub-Reggae oder den Sounds der New Romantics. Über diesen Klangteppich legt Laurenzi ausgesprochen sparsam seine Töne, wobei er das Saxofon elektronisch manipuliert, bis die Klänge stark verfremdet von ganz weit aus der Ferne herüberhallen. Das Tempo ist meistens gemächlich, die Stimmung unaufgeregt bis entspannt, was allerdings nicht verhindern kann, dass das Konzept auf Dauer Gefahr läuft, sich abzunützen, wobei im letzten Stück namens „End Of The Horn“ die konzeptionellen Zügel gelockert werden und sich plötzlich eine ganz neue Perspektive auftut.

Hörprobe: Matt Gold & Dustin Laurenzi – Devotional Fade (youtube)

Aus den Anfängen der elektronischen Musik

Töne aus Strom

Peter Pichler und das Trautonium im Stuttgarter Theaterhaus

Foto: Michael Maschke

Unter dem Motto "Freak-Sounds – Musik abseits der Norm", dem Titel meiner aktuellen Buchpublikation, stand am Sonntagabend, den 26. April 2026, das Konzert von Peter Pichler im Stuttgarter Theaterhaus. Der Münchner Experte für elektronische Musik stellte dabei das TRAUTONIUM vor, eines der ersten elektronischen Musikinstrumente überhaupt, erfunden in Berlin vor knapp hundert Jahren. 

Foto: Michael Maschke

Nach meiner knappen Einführung in die Materie demonstrierte Pichler, wie das Trautonium 1930 von Paul Hindemith die ersten Kompositionen erhielt, die sich noch sehr stark an Formen klassischer Musik orientierten. Mehr und mehr emanzipierte sich der damalige Hauptprotagonist des Instruments, Oskar Sala, von der klassischen Form, um die Möglichkeiten des Instruments als Klangerzeuger ausgiebiger zu nutzen und auszureizen. Pichler streute in sein Konzert zahlreiche Anekdoten und Stories ein: So berichtete er von der Bewunderung der Gruppe Kraftwerk für den Urvater der elektronischen Musik, die dieser  in keine Weise teilte noch erwiderte. Für Sala war Kraftwerk schlicht "Unterhaltungsmusik" und deshalb nicht ernstzunehmen, eine Engstirnigkeit, die Pichler als äußerst peinlich empfand.

Foto: J. Revitt

Pichler sah sich in der Konzertpause von zahlreichen Wißbegierdigen umringt, die noch mehr über das Innenleben und die Wirkweisen des Trautoniums erfahren wollten, wobei er tapfer Rede und Antwort stand. 

Der Elektroniker demonstrierte dann im 2. Konzertteil die ungeheuren Klangmöglichkeiten, die in der "Wundermaschine" stecken, die von einer sehr einfachen, ja fast primitiven Version immer mehr zu einem komplexen Mixtur-Trautonium ausgebaut wurde, das nun polyphon gespielt werden konnte und auch Akkorde ermöglichte.  

Foto: J. Revitt

Den Höhepunkt von Pichlers Auftritts bildete ein Medley aus Filmen, für die das Trautonium ursprünglich die Filmmusik geliefert hatte und die Pichler jetzt erneut mit dem "live"-gespielten Soundtrack präsentierte. Neben dem Dokumentarfilm "Reise zum Mond", dessen Vertonung einst die NASA in Auftrag gegeben hatte, kamen zum Finale Sequenzen des berühmtesten Films zur Aufführung: Hitchcocks "Vögel", für den Sala einst den kompletten Soundtrack entworfen hatte. Pichler erzeugte dazu die grauenerregenden Klanggeräusche wie Flügenschlagen und Vogelschreie. 

Wegen des großen Interesses erwägt das Theaterhaus in Stuttgart, Pichler mit seinem Trautonium im Herbst noch einmal in die Landeshauptstadt einzuladen.

Der letzte POPtalk & Music im Sindelfinger Stadtmuseum

Die Pop-Revolution der Siebziger

Zeitzeugen berichteten – Schretzmeier, Dannemann und Kümmel gaben Auskunft

Christoph Wagner im Gespräch mit Werner Schretzmeier (Foto: J. Schneider)

Gestern Abend fand der letzte POPtalk in unserer Veranstaltungsreihe zur Buchveröffentlichung 'Von Abba bis Zappa – als Sindelfingen und Böblingen den Südwesten rockten (1964-1984)' im Innenhof des Sindelfinger Stadtmuseums statt. Prominente 'Mover & Shaker' von damals gaben Auskunft. 

Zuerst sprach Werner Schretzmeier vom Club Manufaktur in Schorndorf (heute ist er Leiter des Theaterhaus' in Stuttgart) über die aufkommende Subkultur in den späten 1960er Jahren und welche identitätsstiftende Rolle die Rockmusik spielte. Dabei ging er auf die wichtige Rolle von Schorndorf ein, das mit dem Club Manufaktur und dem Jugendzentrum Hammerschlag über zwei Institutionen verfügten, die die Szene maßgeblich formten. Die Popinitiative Sindelfinger Jugendlicher, die 1971 die ersten Konzerte unter dem Namen 'Bird-Laden' organisierte (mit Gruppen wie Man, Audience, Nektar etc.) erhielt entscheidende Impulse aus Schorndorf.

Werner Dannemann (Gitarre, Gesang) und Harry von Schild (Flügelhorn) (Foto: C. Wagner)

Im zweiten Gesprächsteil berichtete Gitarrist Werner Dannemann, ein Urgestein der südwestdeutschen Rockszene, über Konzerterlebnisse in Böblingen und Sindelfingen, die seine musikalische Laufbahn prägten, wobei er vor allen anderen die Gruppen Genesis und Jethro Tull erwähnte. Dabei nannte er das Spiel auf der akustischen Gitarre von Tull-Bandleader Ian Anderson als nachhaltigen Einfluß. Das war recht überraschend, da Anderson ja sonst vor allem als Flötist (auf einem Bein) bekannt ist. 

Museumsleiterin Illja Widmann im Gespräch mit Fotograf und Zeitzeuge Harald Kümmel (Foto: J. Schneider)

Zwischen den einzelnen Programmpunkten spielte Dannemann (manchmal zusammen mit Harry von Schild auf dem Flügelhorn), Titel auf der akustischen Gitarre, etwa von JJ Cale oder der britischen Progrockband Warm Dust, die Anfang der 1970er Jahre viel im Südwesten unterwegs war und auch in Sindelfingen auftrat. Dabei bewies Dannemann mit exzellentem Gitarrenspiel und einfühlsamen Gesang welch außerordentliches Talent er doch ist. 

Als letzter Programmpunkt fragte Museumsleiterin Illja Widmann, die maßgeblich für das Zustandekommen des gesamten Projekts verantwortlich zeichnete, den Fotografen Harald Kümmel, unter welchen Bedingungen es ihm als Teenager gelang, sehr eindrückliche Fotos von den Rockkonzerte damals zu machen, von denen etliche in der Ausstellung 'Von Abba bis Zappa' im Sindelfinger Stadtmuseum zu sehen sind. Die Ausstellung läuft noch bis zum 10. Januar 2027. Der Eintritt ist frei.

Werner Dannemann singt JJ Cale  (Foto:C. Wagner)

SCHEIBENGERICHT Nr. 58: Nicolas Leirtrø’s Action Now! – Entrance

Musik von verblüffender Eigenheit

Nicolas Leirtrø’s Action Now!

Aus dem hohen Norden, aus Trondheim, kommt der junge norwegische Kontrabassist Nicolas Leirtrø – in unseren Breiten noch kaum bekannt. Um so mehr überrascht das Album Entrance seines Quartetts Action Now!, das eine Musik von erstaunlicher Eigenart bietet.  

Acht Kompositionen offenbaren ein Geflecht vielfältiger Referenzen. Leirtrø verbindet den hymnischen Jazz einer Alice Coltrane mit der Hitze der Fire Music der 1960er Jahre. Dazu kommt der Drive des No-Wave der frühen 1980er Jahre von Bands wie Rip Rig & Panic plus die schillernden Sounds des progressiven Rock, ob von Egg oder Soft Machine (ca. 1975 mit Carl Jenkins am Baritonsax). Aus diesem Gemisch an Einflüssen formt Action Now! einen genuinen Stil, der absolut auf der Höhe der Zeit ist. 

Die Musik von Leirtrøs Gruppe kommt in wilden Blow-Outs mit berstender Intensität daher, in Riffs wuchtig und voll erdige Kraft. Sie kann aber auch leise klingen, sanft und in sich versunken. Zwischen diesen Extremen changiert die Musik. An der Hammond erweist sich Kit Downes als der wahre Joker der Gruppe, der in bester Larry-Young-Manier seine elektronischen Orgelsounds schimmern und funkeln läßt. Mats Gustafsson spielt Baritonsaxofon und Querflöte voller Druck und Vitalität, während am Schlagzeug die junge Norwegerin Veslemøy Narvesen eine exzellente Figur macht. Aber nicht nur als Solisten finden die Musiker zu einem individuellen Ausdruck, auch das Zusammenspiel funktioniert auf perfekte Weise. Entrance ist ein hervorragendes Album, in Teilen fulminant.

Nicolas Leirtrø’s Action Now!: Entrance (Sauajazz SAU011)

Hörprobe:

https://nicolasleirtro.bandcamp.com/album/entrance 

Pop-Geschichte vor Ort: Das Beispiel Stuttgart-Fasanenhof

Von Birth Control über Wallenstein bis zu Can

Wie kleine Initiativen die Rockszene im Südwesten prägten

Plakate: Sammlung Hans-Peter Haag

Gestern Abend war ich Gast bei einer Veranstaltung im rappelvollen Kinder- und Jugendhaus Stuttgart-Fasanenhof, wo es um die Anfänge der Rockmusik dort vor Ort und im größeren Zusammenhang ging. In einem Powerpoint-Vortrag gab ich zum Einstieg einen Überblick über die Anfänge der Rockmusik im Großraum Stuttgart, angefangen bei Clubs wie der Manufaktur in Schorndorf, wo durch die "Connections" von Werner Schretzmeier, der damals beim SDR-Fernsehen die Pop-Sendung "P" betreute, schon in den späten 1960er Jahren die heissesten Bands aus England und Irland spielten wie Black Sabbath, The Nice oder Taste (mit Gitarrenstar Rory Gallagher). Das sogenannte "Stuttgarter Popverbot", das die Stadt wegen den Ausschreitungen bei Popkonzerten in der Liederhalle und auf dem Killesberg verhängte, begünstigte kleine Popkonzertinitiativen in der Landeshauptstadt, ob in Stuttgart-Feuerbach oder eben im Stadtteil Fasanenhof. 

Foto: Joachim Schneider

Und hier kam jetzt Hans-Peter Haag ins Spiel, der als Jugendlicher mit einer Initiative namens IG Freizeit, die aus der katholischen Jugend hervorging, begann, in der Turn- und Versammlungshalle Stuttgart-Fasanenhof Rockkonzerte zu veranstalten: 1972 fing es mit Birth Control an, dann ging es weiter mit Gruppen wie Man, Embryo, Missus Beastly, Wallenstein, Eulenspygel und Can. Dabei gingen die Jugendlichen kein unbeträchtliches Risiko ein. Wären die Konzerte Flops geworden, hätte der Abmangel aus der eigenen Tasche beglichen werden müssen. Es ging aber alles gut: Die Konzerte zogen Hunderte von Fans an, was die IG Freizeit wiederum veranlasste, in größere Hallen zu gehen wie das Gustav-Siegle-Haus.  

Haag machte aus seinem anfänglichen Hobby einen Beruf und wurde professioneller Rockkonzertveranstalter mit dem Stuttgarter Konzertbüro Music Circus, das seit 1977 bis heute Popkonzerte in der Region ausrichtet, vor allem dann auch zahlreiche in Sindelfingen und Böblingen. Haag plauderte aus dem Nähkästchen und erzählte von eindrücklichen Erlebnissen als Popkonzertveranstalter mit Gruppen wie Queen, Genesis oder AC/DC. Als Haag und die IG Freizeit abtraten, übernahmen jüngere Leute den Staffelstab, die als Club Orion und Con Spezial in Stuttgart-Fasanenhof weiterhin Discos und Partys veranstalteten. 

Zwischen den einzelnen Programmpunkten präsentierte die Progrock-Band Backyard, bei der Dorothea Rehme Flöte und Saxofon spielte, ein paar Nummern der holländischen Rockband Focus, die ins geschilderte Zeitgeschehen passten. Es war beeindruckend zu hören, wie in einer Trabantenstadt wie Stuttgart-Fasanenhof über Jahrzehnte Zusammenhalt geschaffen wurde, ursprünglich initiiert durch Popmusik und Rockkonzerte. Ein Zusammenhalt, der offenbar bis heute besteht.