Das Akkordeon – Instrument des Jahres 2026

Das Akkordeon – Instrument des Jahres 2026

Ein Artikel aus der WELT am SONNTAG, 30. November 2025

Mehr zum Thema:                                                                                    

VON ABBA BIS ZAPPA: 5. POPtalk & Music

Als die Rockmusik nach Sindelfingen und Böblingen kam

Die lokale Szene – ein voller Erfolg 

Foto: C.Wagner 

Gestern fand der 5. POPtalk & Music diesmal im alternativen Kulturzentrum 'Pavillon' in Sindelfingen statt zur Begleitung meiner Buchveröffentlichung: ‘Von Abba bis Zappa – Als Sindelfingen und Böblingen den Südwesten rockten’ (Verlag Regionalkultur). Und wieder: übervoller Saal, tolle Stimmung und allgemeine Begeisterung. Das Thema triggert Erinnerungen, besonders, wenn es wie gestern Abend, um die lokale Szene geht. So viele ehemalige und noch aktive Rockmusiker waren in Sindelfingen wohl noch nie auf einem Haufen zu finden gewesen. Der Spruch: "Ja, di han I ja scho 50 Jahr nemme gsehn" war mehrmals zu hören. Hochinteressante Round-Table-Gespräche, eindringliche Musik von Joachim Kupke (Gesang) und Reiner Pfleiderer (Gitarre), dazu eine Mulitmedia-Präsentation der atemberaubenden Autogramm-Alben von Andreas Henkel machten den Abend zu einer runden Sache.

Jetzt ist erstmal Winterpause. Die 2. Staffel startet dann am Samstag, 14. März mit der Eröffnung der POP-Ausstellung im Sindelfinger Stadtmuseum, einer weiteren Begleitveranstaltung unter dem Motto ‘Ich war dabei!’ und zwei Konzerten zu Ehren von Miles Davis, der 2026 hundert Jahre alt geworden wäre und zweimal in Sindelfingen und Böblingen auftrat: 1964 und 1971.  

Foto: Joachim Schneider

FREAK-SOUNDS Buchbesprechung in: Donauquelle / Schwarzwälder Bote

 Donauquelle / Schwarzwälder Bote  22.11.2025

Im DEUTSCHEN HARMONIKA-MUSEUM in TROSSINGEN (www.https://harmonika-museum.de) sind auch Melodicas und ein Clavinet ausgestellt, kein normales Instrument, sondern das Clavinet der Schwoba-Rock-Gruppe Schwoißfuaß. 
 

Scheibengericht Nr. 49: Frith / Portugal

Fred Frith / Mariá Portugal

Matter

Intakt Records

Er ist der Altmeister des experimentellen Gitarrenspiels, sie eine jüngere Schlagzeugerin, die sich gerade auf der europäischen Improvisationszene einen Namen macht. Im Juni 2023 haben sich Fred Frith und Mariá Portugal im Loft in Köln getroffen, um ein Album einzuspielen, das vier längere Titel enthält, die alle dem Prinzip der reaktiven freien Improvisation folgen. Das bedeutet: Ein Beteiligter reagiert auf die Impulse des anderen, um sich so im improvisatorischen Ping-Pong die Bälle zuzuspielen. Das hat zur Folge, dass viel passiert und die Klangtexturen sich laufend verändern. 

Sowohl Frith als auch Portugal packen ihren Werkzeugkasten aus und entnehmen ihm Töne, Klänge und Geräusche, die im raschen Wechsel auseinander hervorgehen. Da ist viel Schaben, Kratzen und Rascheln, Klicken und Klacken im Spiel, was an die Frühphase der freien Musik in Europa erinnert. Dann bringt Portugal mit ein paar versonnenen Vokalmelodien ein bisschen Flair ihrer brasilianischen Heimat ins Spiel, während Frith auf der Slidegitarre eine Sequenz Bluestöne anschlägt oder mit einer Gesangseinlage, von der Gitarre unterlegt, Blind Willie Johnson paraphrasiert. Die Klanglandschaften ziehen im Sauseschritt vorbei. Man hätte sich gewünscht, dass die beiden etwas bedächtiger zur Sache gegangen wären, um die geglücktesten Momente intensiver auszuloten.

Hörprobe:

https://fred-frith.bandcamp.com/album/matter

MIKE ADCOCK on stone instruments

Ein Gastbeitrag von Mike Adcock:

Rock Music

Music made by stones 

Páll Gudmundsson, Iceland 

My recently published book, Music Stones – The rediscovery of ringing rock, describes a

series of fresh attempts, in relatively recent times, to explore the sound potential of stone.

But the musical use of stone goes back a long way. In its earliest forms, music is likely to

have been produced using a range of available materials, such as wood, bone, reeds and

grasses, but stone was almost certainly used too. In general, this meant using stone which

rang with an attractive sound when struck and sometimes it would have been tooled to

produce different notes. In different parts of the world, slabs of such rock have been

discovered showing tool markings suggesting they had been struck for no apparent

purpose other than to produce sound.

Playing on stone was to continue in different cultures around the world, but over the

course of the last century in particular the practice has all but disappeared. However, in

1949, in Vietnam, an ancient set of eleven apparently tuned stones was unearthed,

leading to other similar discoveries in the country. This was to result in something of a

revival of interest in the construction and playing of stone instruments, with Vietnam has

becoming the country most widely associated with musical stone.

Music Stones, which has a foreword written by percussionist Dame Evelyn Glennie,

begins its story in the town of Keswick, in England's Lake District, when an eccentric

museum curator called Peter Crosthwaite collected, in 1785, sixteen slabs of local

hornfels rock, which he assembled into what he called his “music stones”, at a time when

similarly styled tuned percussion instruments were virtually unknown in Britain. Almost

half a century later, inspired by Crosthwaite's instrument which was housed in his

museum, a series of so-called family rock bands from Keswick enjoyed varying degrees of

success playing larger stone instruments and were able to capitalise on a growing appetite

for novelty in entertainment. Joseph Richardson, a stonemason by trade, led the way,

building a five-octave instrument which he completed in 1840 and which is still to be seen

and played in Keswick Museum. Like Crosthwaite, he painstakingly tuned the stone slabs

using the skills he had learnt for his trade. The Richardsons' “Original Rock Band”, as they

sometimes referred to it, played well over a thousand concerts over a twelve year period,

even being called upon to perform for Queen Victoria and other dignitaries at Buckingham

Palace.

Joseph Richardson's Rock Harmonicon, Keswick, England (photo: Mike Adcock)

In the second half of the nineteenth century the playing of stone became more

commonplace. Other family bands from Keswick continued to perform around Britain on

large instruments which became known as “rock harmonicons” and in the increasingly

popular music halls, in London and other provincial towns, performers combined the

playing of musical stones with other skills, including juggling and acrobatics.

In the twentieth century there was not such a widespread use of stone instruments, but it

continued to feature, taking different forms, and I devote a chapter in the book to different

ways in which it was manifested. Composer Carl Orff commissioned the design and

construction of a lithophone for his choral work Antigonae, which had its premiere in 1949.

Assisting Orff with this instrument, which he called a steinspiel, was a young engineer

called Klaus Becker-Ehmck and form him this began a career designing and

manufacturing percussion instruments. The company he founded, still operating today,

took its name from the year it was established, Studio 49. A few years later, in 1956

another engineer in the USA, Leland Sprinkle, finished building what remains officially the

world's largest musical instrument, the Great Stalacpipe Organ. Not a pipe organ at all, it

employs an organ console to trigger the playing of a range of amplified stalactites in the

Luray Caverns in Virginia. Later a number of musicians and composers adopting

experimental approaches in their work, including Christian Wolff, Cornelius Cardew and

Pauline Oliveros, were to chose to use stone in their compositions.

Music Stones, while considering innovatory approaches to music-making with stone in

recent times, does not ignore the fact that there were undoubtedly much earlier

precedents for this. The 1949 discovery in Vietnam opened up an awareness of early

forms of music-making and I have devoted a chapter to Vietnam in particular, not because

of the discovery of the ancient stone slabs per se, but because of the way it led to a

resurgence of interest in lithophones in Vietnam and their relatively widespread use in

performance, becoming something of a tourist attraction. In writing about this I also raise

issues around the revival, partly in relation to the western influences which pervades it, but

also concerning the appropriation by the dominant Vietnamese culture of a tradition whose

history lies with people from the minorities.

Nguyen Minh Nghiep, Vietnam (photo: Thuy Van Nguyen)

I have also included in the book a chapter on the connections between sculpture,

particularly stone-carving, and music. Sometimes, as in the case of Sardinian sculptor

Pinuccio Sciola, this came through the production of sound sculptures. By making cuts

into the stone, Sciola was able to draw different qualities of sound from his sculptures,

either by striking with beaters or by friction, as in a glass harmonica. Earlier, the sculptor

Barbara Hepworth, while conscious of the place of sound in the stone-carving process,

was also aware of the rhythmic aspects of that process. British musician Will Menter, from

improvising with the sound of stone and other natural materials, went on to develop these

elements into sculptural pieces in their own right.

Pinuccio Sciola caressing a basalt sculpture (photo: Luca Pinna)

The last chapter of the book is made up of a series of statements from contemporary 

instrument-builders, musicians and composers from twelve different countries who I

invited to contribute, telling of their particular involvement with sonorous stone. These

include a Vietnamese stone instrument-builder, Nghiep Minh Nguyen, American composer

Christian Wolff and Icelandic instrument-builder and musician Páll Gudmundsson, who

worked with the band Sigur Rós in their use of local volcanic rock in their music. The

rediscovery of ringing rock continues.

More information:

https://www.archaeopress.com/Archaeopress/Products/9781805830146

Teasers on youtube:

Von Baobab bis Wanted – Local Heroes

Ein Autogramm von Freddie Mercury

Im „POPtalk & Music” geht es um die lokale Rockszene von Sindelfingen/Böblingen in den 1970er Jahre und ein paar spektakuläre Autogramm-Alben 

In den 1970er Jahren wurden Sindelfingen und Böblingen zu Brennpunkten der Popmusik. Zahllose internationalen Rockkonzerte fanden in den beiden Nachbarstädten statt. War das ein Segen oder ein Fluch für die lokalen Rockbands, die sich ebenfalls Gehör verschaffen wollten?

In meinem neuen Buch „Von Abba bis Zappa – als Sindelfingen und Böblingen den Südwesten rockten (1964 – 1984)” habe ich mich dem Thema gewidmet, das jetzt in einem öffentlichen “POPtalk” am Mittwoch, den 26. November 2025 (Beginn: 20 Uhr) zur Darstellung kommt und erörtert wird. 

Die Veranstaltung findet im Pavillon der IG Kultur in Sindelfingen (Calwer Str. 36) statt. Für die musikalische Umrahmung sorgt die Gruppe If You Wanted To, diesmal „unplugged”. Beginn ist 20:00 Uhr. Der Eintritt ist frei.

Zuerst wird mit einem Multimediaortrag in das Thema eingeführt und dabei die tonangebenden Rockbands vor Ort von damals vorgestellt, ob Wanted, Baobab oder Chickenfarm, wobei nur eine Band aus Sindelfingen/Böblingen in den 1970er Jahre zu überregionaler Bedeutung kam: Die Rockgruppe Message gab bundesweit Konzerte und veröffentlichte zahlreiche Langspielplatten auf angesagten Labels.

Um die Thematik kurzweilig zu gestalten, sind ein paar Gäste eingeladen, Zeitzeugen, die anhand ihrer persönlichen Erfahrungen als Rockmusiker aus dem Nähkästchen plaudern können. Da ist zum einen Gerhard Schaber, der erste Drummer der Gruppe Message. Werner Schumacher war ebenfalls als Soundmann bei Message aktiv, danach bei der Formation Wanted, wobei der spätere technische Leiter der Sindelfdinger Messehalle auch einst am Mischpult für Eloy, Udo Lindenberg sowie Eberhard Schoener saß, und selbst mit der Gruppe Police gearbeitet hat. Der dritte im Bunde ist Joachim Kupke, Sindelfinger Popurgestein, der schon in den 1960er Jahren mit Les Masques bei Beatwettbewerben auftrat und später als Leadsänger der Gruppe Wanted Beachtung fand.

Der zweiten Teil des Abends ist den spektakulären Autogramm-Alben von Andreas Henkel aus Sindelfingen gewidmet. Als Knirps sammelte Henkel jahrelang die Unterschriften von Prominenten, darunter auch die zahlreicher Popstars. Er erzählt, was geschah, als er Lemmy von Motörhead um eine Unterschrift bat oder Freddie Mercury von Queen wegen eines Autogramms anging.

SCHEIBENGERICHT Nr. 48: Musik aus Transsylvanien in neuem Gewand

SCHEIBENGERICHT Nr. 48:

Lucian Ban /  John Surman / Mat Maneri

Cantica Profana

Sunnyside Records

Seit Jahrhunderten haben sich Komponisten für die Musik des einfachen Volkes interessiert und traditionelle Melodien in ihre Werken einbezogen. 1908 reiste der ungarische Komponist Béla Bartók mit einem Phonografen, einer damals neuen Erfindung, nach Transsylvanien, um die Volksmusik dieser Region aufzuzeichnen. Stücke aus diesem Fundus haben Lucian Ban (Piano), Mat Maneri (Bratsche) und John Surman (Saxofon und Baßklarinette) erstmals 2020 auf einem Album neu interpretiert, Erkundungen, die sie jetzt mit einem zweiten Album aus Live-Aufnahmen fortsetzen.

Lucian Ban hat sich intensiv mit Bartóks “field recordings” befasst, um sie auf zeitgemäße Weise zum Klingen zu bringen. Das Problem war: Wie kann man Musik, die voller Glissandi ist, mit der starren Tonfixierung des Klaviers in Einklang bringen? So gesehen haben Maneri und Surman mit ihren Streich- und Blasinstrumenten leichteres Spiel. Sie ziehen und biegen die Töne, als wären sie Klezmorim oder Roma-Musikanten.

v.l.n.r. John Surman, Lucian Ban, Mat Maneri

Bans höchst originelle Arrangements nehmen Bartóks Transkriptionen als Ausgangspunkt, um sie mit viel Fantasie neu zu gestalten und improvisatorisch auszuloten. Manchmal solistisch, dann wieder im Kollektiv gelingt es den drei Musikern, das “pulsierende Leben, das in dieser Bauernmusik” (Bartók ) schlummert, neu zum Vorschein zu bringen. 

Taster:

SCHEIBENGERICHT Nr. 47: Keiji Haino & Reinhold Friedl

SCHEIBENGERICHT Nr. 47

Keiji Haino & Reinhold Friedl

truly, slightly, overflowing, whereabout of good will

zeitkratzer productions

Reinhold Friedl ist Leiter und Pianist des Ensembles Zeitkratzer, eine der führenden Gruppen zeitgenössischer Musik, auch in der Improvisation geübt. 2014 hat Zeitkratzer mit dem japanischen Vokalisten Keiji Haino ein Album veröffentlicht, und seither haben Friedl und Haino immer wieder zusammengearbeitet. 

Jetzt haben die beiden eine Platte vorgelegt, die in die Tiefenschichten der menschlichen Psyche führt oder auch in Urzeiten, bevor es überhaupt Sprache gab, wobei Phil Minton und Diamanda Galás grüßen lassen. Bei diesen vokalen Teufelsaustreibungen verwandelt sich Hainos Rachenraum in ein finstere Höhle, wo alle möglichen Geister und Dämonen hausen und einen schauerlichen Singsang anstimmen. Friedl hüllt die infernalischen Gesänge in dezente Klangnebel, die sich manchmal zu Texturen aus Schnarr- und Quitschgeräuschen aus dem Inneren des Flügels verdichten. 

Die erste der drei langen Improvisationen fängt mit Wimmern, Schluchzen, Krächzen und Jaulen an, bevor sich in Andeutungen der Protestsong “Strange Fruit” von Billie Holiday herauszuschälen beginnt. Das ist keine Musik, die den Fuß wippen läßt, aber trotzdem durch ihre kompromißlose Unbedingtheit den Zuhörer in den Bann zu ziehen vermag, vorausgesetzt man ist bereit, sich auf solch anschwellende Bocksgesänge einzulassen. 

Taster:

https://reinholdfriedl.bandcamp.com/album/truly-slightly-overflowing-whereabout-of-good-will