1560: VOLKSFEST UM EINEN BAUM HERUM

Ich bin heute beim Besuch des Museums Carnavalet in Paris auf ein Wandgemälde gestoßen, das eine Festtagsszene in der französischen Hauptstadt um 1560 zeigt, späte Renaissance. Das Bild trägt den Titel: Fete populaire autour d'un arbre – Volksfest um einen Baum herum.

Es zeigt Volksbelustigungen und Spiele (kegeln und Kreisel schlagen). Sich an Tücher haltend und so miteiander verbunden, wird ein Rundtanz getanzt zur Musik einer vierköpfigen Kapelle, die sich in der Baumkrone befindet: ein Musikant spielt Einhandflöte und Trommel, zwei spielen Dulcian und einer Posaune. Die Musikanten tragen eine Art Uniform, was sie vielleicht als Stadtmusikanten ausweist, die in großen Städten in einer Innung (oder Zunft) organisiert waren, wie andere Handwerker auch. Sie bezogen ein festes Gehalt, hatten dafür aber für die Musik bei offiziellen Anlässen zu sorgen, was sie von fahrenden Musikanten unterschied. Im Hintergrund ist außerdem ein einsamer Geiger zu sehen, der einer Dame aufspielt. Möglicherweise handelt es sich bei ihm um einen fahrenden Musikanten. Zwei Beteiligte sind karnevalistisch als Harlekins gekleidet.

Guest article by Clive Bell about contemporary 'early music'

G O M B E R T  played by Apartment House

by Clive Bell

Der Renaissance-Komponist Nicolas Gombert (c. 1495 – 1560)

 

This is a story involving three people and an ensemble. First a composer thrown into jail, his career derailed by a scandal involving alleged sexual violence. Second, a producer and label boss - after receiving a memento mori in the form of a cancer diagnosis, Simon Reynell is on a mission with a highly personal project that challenges how we listen to early music. Thirdly another composer, this time with one foot in the contemporary and another in the Renaissance: James Weeks. And an ensemble - Apartment House - whose close relationship with the Another Timbre label has led to one of the least expected and most beautiful records we're likely to hear this year.

 

Simon Reynell has run Another Timbre pretty much single-handed from Sheffield in the UK for nigh on two decades. His first release, Tempestuous, was John Butcher, Xavier Charles and Axel Dörner live at the 2006 Huddersfield Festival. Quiet wind explorations inside a church during a proper Yorkshire storm. "The title of this 51 minute improvisation," wrote Barry Witherden in The Wire, "refers to the weather buffeting and rattling the windows of the church where the gig took place." Starting from free improvisation, Reynell moved gradually sideways into releasing albums of reductionist composition - Cage, Wandelweiser guys like Michael Pisaro, then Morton Feldman, Marcus Granberg and Catherine Lamb - always following his own instincts.

 

I talk to Reynell over a Zoom link: "Fairly early on in running Another Timbre, Michael Pisaro said to me, 'What you're doing is of value especially because it's reflecting your personal taste. You shouldn't be releasing things because you feel, oh, I ought to do this. And perversely that will be what other people value in it.' And I took that to heart."

 

In 2023 Reynell received a cancer diagnosis and spent months waiting for surgery. In a public conversation with composer James Weeks, he recalls: "I inevitably had some end-of-life-type thoughts - ‘Are there any things that I’d like to do but haven’t yet done?’ With regard to music the main thought was it would be interesting to see what happened if I took some of the early music I love and asked Apartment House to record it: how might it be different from existing realisations by early music groups? Would they find something new in the music?"

 

Apartment House, the contemporary group founded by cellist Anton Lukoszevieze three decades ago, have a very close association with Another Timbre. It works both ways: AT brings projects to AH, and vice versa. However, AH also have their own thing going, pieces that probably wouldn't float Reynell's boat. Last time I saw them live, they tackled a song by Mark E. Smith's The Fall, and their 2024 shows included Nico and John Cale's The Marble Index.

Apartment House

 

In spite of this broad range of repertoire, the Apartment House musicians may have done a double take when Reynell announced his current wheeze: an album of five hundred year old vocal scores by Flemish old master Nicolas Gombert. I speak to Apartment House viola player Bridget Carey: "This was entirely curated by Simon, and he had very clear ideas. It's rather wonderful! He's curated something for the first time, and we want to support him being a creative artist."

 

A long-term fan of early music, Reynell has some critical ideas on how it's currently performed and packaged. And he's totally had it with blissful angels on album covers. "Some early music CDs I don't listen to, especially the large choirs. When they get too self-consciously spiritual - that earnestness, it jars with me. It's already beautiful music, you don't need to wrap it up in a chill-out ethos." You're objecting to the otherworldly atmosphere, I suggest; you believe that music is always involved in everyday life? "Yes - it's slightly perverse," he replies, "because I do think listening to music can be a transcendental thing, and I enjoy that about it. I'm emphasising that in the contemporary releases I do, but I definitely wanted to de-emphasise it here, because the customary context in early music practice is to over-egg that side of it. I wanted to quietly rebel against that."

 

Reynell's rebellion consists of eight vocal motets by Gombert (c.1495 – c.1560), but recorded with no voices. Instead, Gombert's imitative counterpoint, of which he was regarded in his day as the pre-eminent exponent, is assigned to a dark-hued, low-pitched ensemble of cello, violas, violin, bass clarinets and bass flutes, plus - a surprise decision - a trumpet. Vibrato or excessive expression are avoided - "We don't emote," confesses Carey - and there are no echoing cathedral reverbs. The task of dishing out the individual parts, deciding whether bass clarinet or cello carries the bass line, who carries the top melody, and also conducting the whole performance, fell to James Weeks, a composer who lives and teaches in Durham. Weeks already has a pair of his own albums on Another Timbre: his Windfell is a solo for AH's violinist, Mira Benjamin, while Summer is a sexy hovering by Explore Ensemble around Siwan Rhys's patient piano chords. But the shimmering loveliness is given a spicy element by Weeks's liking for microtonal tunings, so that long clarinet 'off' note disrupts the harmony we expect.  

 

For the new album, G O M B E R T, Weeks has composed five interludes. A whole CD of Gombert's dense polyphony might cause aural indigestion, so now and then we switch into Weeks's world of pure electronic sine tones, piano and microtonality.

 

As an ex-chorister and the director of vocal group EXAUDI, Weeks feels utterly at home within both contemporary and early music. Over Zoom from Durham, he explains his composing strategy for his interludes: "I was trying to work with the same sort of modality as Gombert. But I decided to colour it, or discolour it, in some way. All the microtones are very deliberate 'out of tune' versions of the modal notes from the Gombert. We wanted to move the overall timbre away from the Gombert. Simon knew a whole disc of Gombert would just be relentless - it's like this great thick wall of polyphony. He said, 'I want a contrast, much sparser and more still.' And so, he's like the patron giving his shopping list of things he wants in the piece [laughter]. Sometimes you think, 'No! I'm the composer!' But in this case I have massive respect for Simon, and they're good ideas anyway. There's a couple of moments when the clarinet plays almost the same timbre as the sine tone, but it's about two hertz flat, and out of nowhere comes this unearthly beating. I have to say, it's brilliant playing!"

 

Nicolas Gombert is part of the so-called 'lost generation' - a lesser-known gang of sixteenth century composers, writing polyphony between the innovative Josquin des Prez and the later Renaissance big beasts: Palestrina and William Byrd. Gombert's contemporaries were especially intriguing, in Reynell's words, "pushing things to the limit, so that the polyphonic weave becomes really dense and complex." An example is the album's opener, "Mille Regretz". Gombert has added two voices to Josquin's original setting of this chanson, creating a six-part polyphony with no rests - relentless indeed. And those two extra parts are low voices, so everything is darker. Give it to a choir in a big church acoustic, and you're got the familiar Renaissance choral sound. But Reynell de-familiarises the Gombert, not by tweaking or re-working, but simply by giving it to a six-piece instrumental group to play in a straightforward manner. No expensive reverbs to evoke the heavenly host. As Carey puts it, "It's conversational music. It's a plain harmony exercise, and it was rather joyous from my point of view."

 

A trope beloved of Gombert's generation of composers was the false relation - a salty crunch of harmonies at the end of a line, making the ear wince (or leap in pleasure). Weeks explains it to me as that moment when two versions of a modal solution are presented at the same time. To me it sounds like showing off - a composer taking a corner on two wheels. Audiences should maybe punch the air, or give that special head-shake that Indian listeners bestow on a musician who has just ripped out a classy phrase. Plenty of false relations to savour on this disc.

 

Weeks also tells me that playing vocal scores on instruments was perfectly acceptable practice back in the day: "Not only homogenous groups like viol consorts, but also broken consorts, where whoever was available would play the music." Carey: "We're a bit like the village church orchestra, where you've got a bassoon and a rackety old viola player and an oboist or whatever. It's got that spontaneity about it, which I quite like." Back to Weeks: "As a concept I was totally behind it; I didn't even think it would be weird or leftfield, I just thought it would be lovely."

 

The music may be five hundred years old, but contemporary resonances are everywhere on this disc, starting with the cover. It's a detail from a painting called The Massacre Of The Innocents by Pieter Brueghel. Frozen snow on spiked trees, armed men on horseback and a mother pleading with soldiers. It's hard to look at this without thinking of recent events. "So many early music albums take a painting of angels and cherubs," comments Reynell, "or focus on the splendour of the rich and powerful. I want the music to be seen in the context of the social history of the period. Brueghel is a great one for that! He puts himself down in the street. He's taken the biblical story and he's putting it in the Netherlands, and the beginning of the Eighty Years War."

 

Then there is Nicolas Gombert's own life. He was composer and choirmaster employed by the Holy Roman Emperor, Charles V. The job involved accompanying Charles across Europe, even onto the battlefield, wherever pageantry was required. Religious services and jousting events all required music, so Gombert would have been shepherding choirboys through the mud to wherever the Emperor required their singing. Reynell explains the context: "Charles took his musicians and his entourage with him, he was keen to show he was cultured. Because those guys were aware of soft power, and they wanted to be associated with grandeur and ceremony, and music was a part of that. Charles V was a music lover, but also a very militaristic and brutal ruler. He used the wealth plundered from his empire’s new colonies in the Americas to fund multiple wars within Europe in an attempt to expand his already extensive territories there, and these wars were often fought in the most brutal ways, not dissimilar to Gaza today, with long sieges, massacres of civilians, starvation being used as a weapon and so on. And Gombert was right there beside Charles V as he was doing this. In fact, one of my other favourite composers, Antoine Busnois, was actually with his employer, Charles The Bold, when he was killed on the battlefield."

 

The brutality seems to have rubbed off. At the height of his career, Gombert was disgraced for raping a choirboy. He was imprisoned and condemned to hard labour rowing a galley. Somehow he seems to have continued composing, and was released eight years later, but drifted into obscurity.

 

In his conversation with Reynell, Weeks remarks that, "There’s a significant overlap between people who listen to contemporary music and early music, because there are so many ways in which the two speak to each other across what happened in between." This seems a good point, and I ask him to expand on it. "Well, I grew up surrounded by people who were inspired by both ends of the spectrum of western music. People I was listening to - well, even Benjamin Britten or Michael Tippett, those English composers of yesteryear, they were part of the early music revival. On the continent you've got Anton Webern being inspired by Heinrich Isaac [1450-1517] and his canonical pattern making and so-called mathematical music. When I got into [Harrison] Birtwhistle and the more modernist English composers, again I found they were obsessed by Ockeghem [1410-1497]. From school I was going to concerts with both of those things in and I loved them both. Amongst performers too, the Hilliard Ensemble used to mix the two, it's very natural."

 

On the new record, in amongst Apartment House's violas, cello, flutes and clarinets, is an odd sound, which on a first casual listen I thought might be some kind of oboe. In fact it's the trumpet of Rebecca Toal. Toal co-hosts a podcast titled Things Musicians Don't Talk About, where mental health issues are given an airing as they affect musicians. While not an Apartment House regular, she has played a couple of discs for the label, Sound Pieces  by Pauline Oliveros and Eden Lonsdale's popular release, Clear And Hazy Moons. Reynell insisted on a trumpet for his Gombert project, but Weeks was sceptical. In the studio he quickly came round, as he recalls to me: "Ha! It shows Simon's brilliance. I was astonished - it sounded almost exactly like a Renaissance cornett. But also this particular player had the most wonderful sense of style. The moment she started playing I thought this actually lifts the whole thing into another dimension. I remember feeling very excited on the day, it's like hearing Gombert from lots of different angles."

 

On the phone I call up Toal for a chat; she turns out to live walking distance from my house. How did she get this special sound? "It was just a B flat normal trumpet," shrugs Toal, "and I used a cup mute for most of it. Simon said bring a load of mutes. James said, okay we'll see how it goes - but almost immediately he was convinced. And it does blend but it has its own sound at the same time, which is delightful. Apartment House is such a personal ensemble - it's so individual and it really makes a difference." We agree that part of the attraction of Apartment House is you feel that honest music making is going on right in front of you. "There's a plainness," suggests Toal. "It's a bit rough at points in the recording. I love it, you can tell that we're just playing, it's really refreshing. You can feel yourself in the room, with the roughness and the closeness of it, which I really like. I didn't realise till Simon told me that it came out of his cancer diagnosis, and in hindsight - oh, the project makes sense. The record is so beautiful but so bleak!"

Graindelavoix

 

The early music world has been given a shake-up in recent years by Graindelavoix, formed in 1999 by Björn Schmelzer and based in Antwerp. They insist they're not so much an early music ensemble, more an experimental art collective, and their name comes from an essay by Roland Barthes. If you're fed up with choirs that stand still and dress formally, maybe Graindelavoix are for you. They allow bodily expression into the room, they generate plenty of excitement, and as singers they're aware of other traditions: snarling Sardinian choirs, for example, maybe Georgian polyphony too. Reynell agrees with me they're a breath of fresh air. "They have videos that I've watched dozens of times," he admits, "and they're gripping to listen to. On the other hand they can be a bit up themselves. They are a really good thing, and they're trying in a similar way to put that music in a context of more earthy performance, rather than heavenly. So I'm allied with them on that, but they occasionally over-egg it in another way. Eighty per cent approval!"  

 

All this aligns with Reynell's personal search for a fresh approach to early music. And for all Graindelavoix's passionate performance, as Weeks points out, "You shouldn’t mistake it for being authentic or historically accurate – they’re playing as fast and loose as they want, and why not? In fact I love that these pieces always have to be re-interpreted because we don’t know exactly what they sounded like or exactly how they were performed in the sixteenth century."

 

Gombert's music had a life both inside and outside the church - Reynell now wants to pull it as far away from the church as possible. He wants to liberate that music from the precious or the pious, reconnecting it with everyday life, work and politics. A pious approach is a misunderstanding of where the music comes from, perhaps especially in the case of Gombert, floundering through the muddy fields of his boss's battles.

 

Politics is of course a part of this. Reynell should have the final word: "My own politics have always been quite decisively leftwing. But I've always felt if you try to be political with a big P in music, it's often not very successful and doesn't further the politics much. Obviously [Cornelius] Cardew’s late music was a prime example of that. I think of Christian Wolff as someone who has tried to be political with a small p, in the sense of - well, being nice is part of it! [laughter] Working in situations where you try to minimise the hierarchy involved. That was part of the appeal of the whole improvisation thing. You're trying to be even-handed and reasonable with people. I've always tried to operate with that kind of ethos."

Have a listen:

Apartment House: Nicolas Gombert – Musae Jovis; (arranged for instruments by James Weeks)

https://www.youtube.com/watch?v=pJuJRhG2LQ0

Apartment House: James Weeks – Media vita iii

https://www.youtube.com/watch?v=JYMs7LyYUZo

 

J.S. Bach gegen den Strich gebürstet

 Bach neu belebt

 

Drei Ensembles bürsten bekannte Kompositionen von Johann Sebastian Bach gegen den Strich

 

cw. Für viele gilt er als der bedeutendste Komponist, den das Abendland hervorgebracht hat: Johann Sebastian Bach, 1685 in Eisenach geboren und von 1723 bis zu seinem Tod 1750 Thomaskantor in Leipzig. Der Barockgroßmeister hat ein riesiges Werk geschaffen, darunter Kompositionen wie „Das wohltemperierte Klavier“, die „Goldberg-Variationen“ und „Die Kunst der Fuge“, die mittlerweile zu weltbekannten Klassikern geworden sind und unzählige Male auf Schallplatte oder CD eingespielt wurden. 

 

Dennoch hat die Fülle an Veröffentlichungen bisher zu keiner Übersättigung geführt. Immer neue Generationen von Musikern lassen sich vom Werk des Barockmusikers in den Bann ziehen, wobei sie versuchen, frische Funken aus seinen Kompositionen zu schlagen. In den 1960er Jahren machte Walter (heute: Wendy) Carlos mit Synthesizer-Interpretationen des wohltemperierten Klaviers Furore, während Jacques Loussier unter dem Motto „Play Bach“ den Barockkomponisten verjazzte und die französischen Swingle Singers ähnliches mit swingenden Vokalinterpretationen von „Bach‘s Greatest Hits“ unternahmen. In jüngerer Zeit haben Pianisten wie der junge Isländer Vikingur Ólafsson nahmhafte Elektronikmusiker ins Boot geholt, um Bach im Sound der Club- und DJ-Culture einer Runderneuerung zu unterziehen. 

Trio Zimmermann (Foto: Mats Bäcker / Promo)

 

Gerade sind abermals eine Reihe von Veröffentlichungen erschienen, die das Bach’sche Werk anders und neu hörbar machen. Da ist das Trio des weltberühmten Violinvirtuosen Frank Peter Zimmermann, das die „Goldberg Variationen“ von einer „Clavier Übung“ in Streicherklänge überführt. Einst vom kanadischen Pianoexzentriker Glenn Gould zu einem Schallplattenhit gemacht, haben die drei Saitenmusiker in jahrelanger Arbeit die ursprünglich für Cembalo gedachte Stückesammlung für Violine, Bratsche und Cello eingerichtet. Der Effekt ist verblüffend, wobei die Kompositionen so natürlich und authentisch klingen, als hätte sie Bach ursprünglich für Streichtrio geschrieben. Die drei Solisten bringen diesen wohl bedeutendsten Variationszyklus der Musikgeschichte mit so leichter Hand auf ihren Stradivari-Instrumenten zum Klingen, dass sie der Vorgabe der „Gemüths-Ergetzung“, wie der Untertitel des Werks lautete, mehr als gerecht werden.

Ensemble Phantasm (Foto: Marco Borggreve/ Promo)

 

Mit ähnlicher Fantasie macht sich das Ensemble Phantasm ans Werk, das unter dem Titel „The Well-Tempered Consort“ auf zwei Alben der kontrapunktischen Verschlungenheit des „wohltemperierte Klaviers“ nachspürt. Die Gruppe ist eigentlich ein Gambenconsort, eine Ensembleform, wie sie in der Zeit vor Bach bestimmend war. Dem Streichsextett, das seit ein paar Jahren in Berlin residiert, gelingt es, die Bach’sche Tastenmusik in ebenmäßiger Ausgewogenheit in Szene zu setzen, womit die Gruppe der Forderung des Komponisten Robert Schumann nachkommt, diesen „wahrhaft poetischen Gebilden“ ihren „jeweils eigenen Ausdruck“ zu geben.   

Les InAttendus (Foto: Bernard Martinez / Promo)

Aus Frankreich kommt ein anderes exzellentes Ensemble, das sich in Triobesetzung an „Die Kunst der Fuge“ wagt. Sein Name: Les inAttendus, zu deutsch: Die Unerwarteten oder die Überraschenden. Unerwartet und überraschend ist dann auch ihr Ansatz. Neben Gambe und Violine färbt das Akkordeon den Trioklang, was bei einer Bach-Interpretation Stirnrunzeln hervorrufen kann, entstand das Balginstrument doch erst lange nach Bachs Tod. Allerdings verfängt der Einwand nur bedingt, da soviel Purismus jede der berühmten Klavierinterpretationen verhindert hätte, weil zu Bachs Zeiten das Klavier ebenfalls noch nicht erfunden war. Mit großem Einfühlungsvermögen gelingt es Vincent Lhermet sein Akkordeon wie eine kleine Kirchenorgel klingen zu lassen, was der Klangvorstellung von Bach vielleicht sogar nahekommt, der möglicherweise nicht ohne Grund die Instrumentierung offen ließ, bereits zukünftige Instrumentenentwicklungen erahnend. 

Wiederentdeckung mittelalterlicher Mönchsgesänge in schwäbischen Klöstern

KLANGVERSUNKEN

Das Tübinger Vokalensemble Ordo Virtutum rekonstruiert Mönchsgesänge aus Klöstern der Vor-Reformation-Zeit

 cw. Die Reformation, die sich dieses Jahr zum 500. Male jährt, war ein Epochenbruch, wie er stärker nicht hätte sein können. Die religiöse Erneuerungsbewegung stellte die geistlich-religiöse Welt des Mittelalters völlig auf den Kopf. Den Papst, den Vertreter Gottes auf Erden, herauszufordern und der falschen Lehre zu bezichtigen, war eine Ungeheuerlichkeit von solchem Ausmaß, wie wir es uns heute kaum noch vorstellen können.

In Württemberg wurde die Reformation 1537 durch Herzog Ulrich eingeführt.

Danach wurden die Bastionen der katholischen Lehre, die Klöster, aufgehoben, die lateinische Messe durch einen neuen Gottesdienst in der Landessprache ersetzt, was die alten liturgische Gesänge überflüssig machte. Die Notenbücher, in denen die Handschriften verwahrt wurden, hatten plötzlich keine Funktion mehr, galten als „papistisch“, was sie dem Untergang weihte. Da aber das Pergament, auf dem die Choräle notiert waren, zu wertvoll war, wurde es nicht einfach weggeworfen, sondern als Bucheinbände wiederverwendet. Tausende Choralhandschriften wurden zerschnitten, um fortan als Cover von Buchdeckeln oder zur Verstärkung der Buchrücken zu dienen. So haben sie über Jahrhunderte überlebt und blieben uns bis heute erhalten.

Der Tübinger Musikwissenschaftler Stefan Morent hat solche

Noten-Einbandblätter in den Archiven der Region aufgespürt und ihre Funktion und Stellung im katholischen Gottesdienst des Mittelalters rekonstruiert. Dann hat er die Choral-Fragmente mit seinem Ensemble Ordo  Virtutum einstudiert und jetzt auf einer CD im Surround-Sound vorgelegt (Titel: Fragmentum; Label: Cornetto)

 Dabei ist das sechsköpfige Vokalensemble nicht einfach ins nächstbeste Tonstudio gegangen, sondern hat die Einspielungen mit Hilfe des Südwestrundfunks und seiner exzellenten Tontechniker und mit der Unterstützung und Förderung durch die Organisation 'Staatliche Schlösser & Gärten Baden-Württemberg' an den Orten gemacht, von wo die Notenhandschriften tatsächlich herstammen: in den ehemaligen Klöstern von Bebenhausen, Hirsau, Alpirsbach, Maulbronn und Salem. Die uralten Gemäuer geben den auf- und abschwellenden Gesangsmelodien eine besondere Aura, die durch den Surround-Sound eindrucksvoll eingefangen wird. Die einstimmigen Gesänge hatten im Gottesdienst die Funktion, die Gläubigen in eine empfängliche Stimmung zu versetzen, um die religiösen Inhalte verinnerlichen zu können. Es ist deshalb ein Gesang, der in seiner Ebenmäßigkeit und Ausgeglichenheit eher einer Meditation gleicht. Versunken in die liturgischen Vokalklänge, entsteht aus den verschollenen und jetzt wiederentdeckten Notenfragmenten eine wunderbar ruhige Musik, die uns in ein Zeitalter zurückführt, das mehr als ein halbes Jahrtausend zurückliegt und das von der Hektik und Unrast der Moderne noch unberührt war.

Early Music: Renaissance-Polyphonie aus Portugal

Im Schatten der Nacht

Beim Festival Europäische Kirchenmusik Schwäbisch Gmünd kamen geistliche Gesänge des Frühbarocks zur Aufführung

cw. Vor 400 Jahren – im Zeitalter der Entdeckungen – war Portugal eine Weltmacht mit kolonialen Ambitionen in Übersee. Schiffe unter der Flagge des portugiesischen Königs erkundeten die Küsten von Afrika, des Nahen Ostens und Asiens „auf der Suche nach Gold und Gewürzen“. Vasco da Gama fand den Seeweg nach Indien. Und bald war auch Südamerika erreicht, wo in Brasilien bis heute portugiesisch gesprochen wird.

In Portugal existierte im 16. und 17. Jahrhundert ein vitales Musikleben, eine Epoche, die heute als das „goldene Zeitalter“ der portugiesischen Polyphonie bezeichnet wird. An den Höfen und Kathedralen in Lissabon und anderer größeren Städte wie Évora wirkten Komponisten von beachtlichem Kaliber, die jedoch längst vergessen sind. Doch die Musik von Pedro Vaz Rego oder Frei Manuel Des Santos hat in Handschriften überlebt, die in der Musikaliensammlung des Archivs der Bücherei von Évora aufbewahrt werden.

Das Ensemble „A Corte Musical“ aus der Schweiz unter der Leitung des Brasilianers Rogério Goncalves hat sich zur Aufgabe gemacht, diese verblasste musikalische Kultur wieder aufleben zu lassen. Beim diesjährigen Festival Europäische Kirchenmusik Schwäbisch Gmünd gaben die elf Musiker und Musikerinnen in der Wallfahrtskirche in Unterkochen einen Einblick in die portugiesische Klangwelt der Renaissance und des frühen Barock.

Die musikalische Gattung des spanischen „Villancico“, in portugiesisch „Villancete“ genannt, dominierte damals die iberische Halbinsel, wobei es sich um Lieder mit weltlichen Inhalten handelte, die mit Vers und Refrain einem festgelegten Schema folgten. „Villancicos“ wurden darüber hinaus für die christliche Liturgie genutzt und kamen an religiösen Feiertagen zur Aufführung. Mit vier Gesangssolisten (zwei Frauen und zwei Männern) setzte die Gruppe „A Corte Musical“ diese Gesänge mit Leidenschaft und großer Virtuosität in Szene. Oft handelt es sich dabei um Klagelieder, in denen eine „fromme Seele“ das „heilige Geheimnis“ zu entschlüsseln versucht. In Gebeten und Anrufungen im „Schatten der Nacht“ versuchen sich die Gläubigen einen Reim auf die Wirkkräfte des Himmels und der Erde zu machen und „in Demut“ bei Heiligen und dem Erhabenen um Beistand und Gnade zu bitten.

Begleitet wurden die Gesangssolisten von zeittypischen Saiteninstrumenten, deren Spektrum von der langhalsigen Theorbe (einer Laute mit zusätzlichen Baßsaiten) über Violinen und Gitarren bis zur Harfe und zur Violone reicht, einer sechssaitigen barocken Baßgeige. Mit diversen Schlaginstrumenten – ob Trommel oder Tambourin – gab Ensembleleiter Rogério Goncalves nicht nur den Rhythmus vor, sondern sorgte für zusätzliche Akzente, Dynamik und Drive. In einem Lied lassen ”die Vögel in den Lüften ihren süßen Gesang erklingen“ – dem stand das Ensemble in keiner Weise nach.

Der Konzertbericht erschien zuerst im Schwarzwälder Bote, große Tageszeitung in Baden-Württemberg.

CAPPELLA PRATENSIS präsentiert: GUILLAUME DUFAY

 Ausklang des Mittelalters

Im 600. Jubiläumsjahr beleuchtet ein Festival die Musik beim Konstanzer Konzil

cw. Vor 600 Jahren war Konstanz für einen historischen Augenblick lang der Nabel der Welt. Vier Jahre von 1414-18 versammelten sich in der Bodenseestadt die Mächtigen aus Religion und Politik, um die drohende Spaltung der Kirche abzuwenden, in der damals mehrere Päpste um die Macht kämpften. Im Troß von Bischöfen, Kardinälen, Fürsten und Herzögen kamen auch viele Musiker in die Stadt, was das Konstanzer Konzil zu einer einmaligen Begegnungstätte und Tauschbörse von musikalischen Ideen machte.

“Europäische Avantgarde um 1400” war ein viertägiges Festival in Konstanz überschrieben, das in einer Kooperation zwischen dem Südwestrundfunk und der Bodenseestadt nunmehr im dritten Jahr die “Musik zum Konstanzer Konzil” wieder aufleben ließ. Dieses Jahr wurden die Scheinwerfer auf die musikalischen Traditionen der verschiedenen Religionen gerichtet, die damals in Konstanz präsent waren, ob russisch-orthodox, griechisch-byzantinisch oder muslimisch. 

Unter den Teilnehmern des Konzils befand sich auch der junge Sänger und Komponist Guillaume Dufay (geboren ca. 1400), der im Gefolge des Bischofs von Cambrai nach Konstanz gekommen war und hier vielfältige musikalische Anregungen erhielt. Dufay hörte die Konzilkapelle musizieren und lernte womöglich auch andere Komponisten kennen, um sich mit ihnen auszutauschen. Darüber hinaus kam er in Kontakt mit reichen und einflussreichen Würdenträgern, wie der italienischen Adelsfamilie Malatesta, die sich als Mäzene betätigten und den Komponisten aus Flandern später an ihren Hof in Rimini holten. 

Das holländische Spezialistenensemble Cappella Pratensis bot im Konstanzer Münster ein Konzert, das Guillaume Dufay und seine Zeitgenossen in den Mittelpunkt stellte. Dabei kamen Kompositionen zur Aufführung, die nach dem Vorbild der repräsentativen Musik entstanden waren, wie sie einst die offiziellen Zeremonien des Konzils umrahmt hatten. Während seiner langen Karriere schrieb Dufay Würdigungsstücke und Huldigungsmotetten in erklecklicher Zahl.

 

Wie im 15. Jahrhundert üblich, versammelten sich die Sänger der Cappella Pratensis um nur einen einzigen zentralen Notenständer, auf dem ein großes Notenblatt in alter Notenschrift lag. Im Unterschied zu damals brachte das Ensemble auch Frauenstimmen zum Einsatz, was im 15. Jahrhundert in der Kirche nicht denkbar gewesen wäre, wo Sängerknaben die Sopranstimmen intonierten. Dezent mit Harfe sowie einer Zugtrompete und einer Renaissance-Posaune instrumentiert, präsentierte die Cappella Pratensis ein Programm von enormer Spannbreite. Von Solostücken für Harfe sowie Chansons für Stimme mit Instrumentalbegleitung über Trio- und Quartettbesetzungen bis hin zum vollen Ensembleklang kam alles vor. Oft wurde eine Vokalstimme von der Zugposaune übernommen, was dem Gruppenklang eine ganz spezielle Färbung gab. Einige der Werke besaßen noch den Klang des Mittelalters, während spätere Kompositionen schon im neueren Stil verfaßt waren, den Dufay möglicherweise bei seinem Aufenthalt in Konstanz aufgeschnappt hatte und der sein weiteres Schaffen bestimmte. 

Zwischen Renaissance und Barock: CLAUDIO MONTEVERDI

Klangspiel im Raum

Monteverdis “Marienvesper” beim Festival Europäische Kirchenmusik in Schwäbisch Gmünd

 

 cw. Das “Festival Europäische Kirchenmusik” in Schwäbisch Gmünd bietet jeden Sommer ein Programm von enormer Vielfalt. Wer mit Musik in der Kirche nur Chöre und Orgelspiel in Verbindung bringt,  sieht sich in Schwäbisch Gmünd eines besseren belehrt: Vom gregoranischen Choral über klassische Symphonien bis zu avantgardistischen Klängen, von Rezitationen über Musiktheater-Aufführungen bis zu Stummfilm-Bespielungen reicht das Spektrum, das seit 1989 jedes Jahr an verschiedenen historischen Orten der Stauferstadt im Remstal zur Aufführung kommt.

Oft bilden selten gehörte, sakrale Werke aus der Vor-Barock-Zeit einen Höhepunkt des Festivalprogramms. Das war auch in diesem Jahr wieder der Fall. Die Aufführung der “Marienvesper” (Vesper = Abendgottesdienst) von Claudio Monteverdi aus dem Jahr 1610 durch das italienische Großensemble La Venexiana unter der Leitung von Vanni Morretto (er war für den erkrankten Claudio Cavina eingesprungen) in der Gmünder Augustinuskirche bot einen erhellenden Einblick in die Kompositionspraxis des frühen 17. Jahrhunderts. In dieser Umbruchsphase zwischen Renaissance und Barock gehen die alten Techniken der polyphonen Verschlungenheit mit den neuen kompositorischen Verfahren wie der Herauslösung melodischer Führungstimmen über einem Generalbass eine reizvolle Verbindung ein.

Zur “Lobpreisung der seligen Jungfrau” zieht Monteverdi alle Register und reizt die Möglichkeiten einer großen Besetzung voll aus. Von machtvollen Tutti-Passagen der 27 Beteiligten bis zum Sologesang, nur von den zarten Akkorden des langhalsigen Lauteninstruments Theorbe begleitet, wird eine ungeheure Bandbreite an klanglichen Möglichkeiten ausgeschöpft - plus die ganz Palette an unterschiedlichen Stimm- und Instrumentalkombinationen dazwischen.

Besonders eindrucksvoll beherrschte der Komponist, der zuerst am Hof von Mantua, dann in der San Marco-Kirche in Venedig wirkte, das klangliche Spiel mit dem Raum, wobei er die Illusionsmalerei der Epoche in die Welt der Musik übertrug. Monteverdi baute spezielle Echoeffekte in seine Messkomposition ein, die sich in der Renaissance großer Beliebtheit erfreuten. Ob aus der Ferne des Kirchenraums der gesungene Nachhall schallte oder die beiden Holztrompeten im Wechselspiel kurze Melodiepartikel abgedämpft wiederholten, immer ergab sich ein sonorer Eindruck, der aufhorchen ließ.  

Mit Verve, souveräner Beherrschung der musikalischen Mittel und überschäumender Emotionalität gestaltete La Venexiana das Monteverdi’sche Meisterwerk. Die Großformation aus Bologna erwies sich dabei als Spezialistenensemble von höchsten Graden, das am Ende für seine superbe Interpretation langanhaltende Ovationen entgegennehmen konnte.  

GRAINDELAVOIX: experimentelle frühe Musik

Musikalische Avantgarde um 1400

Klänge aus Kirche und Kneipe

Ein Festival präsentierte Musik aus der Zeit des Konstanzer Konzils

cw. Einmal in seiner langen Geschichte stand Konstanz im Brennpunkt Europas. Vier Jahre lang von 1414 bis 1418 tagte das Konstanzer Konzil. Dafür kamen alle kirchlichen und weltlichen Authoritäten und Würdenträger in die Bodenseestadt: Könige, Fürsten, Bischöfe und Kardinäle. Selbst die Päpste gaben sich ein Stelldichein. Denn das war das Problem: Die katholische Kirche hatte sich im 14. Jahrhundert gespalten und nun stritten sich zeitweise drei Päpste um den Titel, “Stellvertreter Gottes auf Erden” zu sein. Diesen Mißstand sollte das Konstanzer Konzil beheben.

Um den 600. Jahrestag gebührend zu feiern, findet in den Jubiläumsjahren alljährlich ein viertägiges Festival unter dem Titel “Musikalische Avantgarde um 1400” statt. Die Konzertreihe präsentiert Klänge, die während des Konstanzer Konzils in der Bodenseestadt erschallten – in Kirchen, Kneipen und auf der Straße. Der diesjährige zweite Durchgang dieser hochkarätigen Veranstaltungsreihe, für die der SWR2 und die Stadt Konstanz verantwortlich zeichnen, ging gerade an verschiedenen Orten der Konzilstadt über die Bühne.

Das Schisma der Kirche und die daraus resultierende Rivalität verschiedener Päpste tat dem europäischen Musikleben Ende des 14. Jahrhunderts keinen Abbruch, sondern belebte es sogar. In seinem Palast in Avignon versammelte der französische Papst Clemens VI. die besten Sänger der damaligen Zeit. Komponisten schrieben Werken, die von der Hofkapelle aufgeführt wurden und – selbstverständlich! - den Papst in den höchsten Tönen lobten. Musik avancierte zur Propagandawaffe.

 

Begleitet von einer kleinen mittelalterlichen Handorgel mit Blasebalg intonierten die vier Sänger des französischen Spezialistenensembles La Main Harmonique eine Huldigungsmesse an den Papst von Avignon, sowie Motetten von Philippe de Vitry und Guillaume Dufay. Weil die Hauptstimme im Tenor lag, kam es den beiden Falsettstimmen zu, mit reicher Ornamentik die Melodie auszuschmücken und damit den Worte “Es findet sich niemand, der ihm gleicht” noch mehr Gewicht zu verleihen. Mit makelloser Stimmführung gelang es der französischen Gruppe die rhythmisch oft komplexe Polyphonie eindrucksvoll in Szene zu setzen, wobei die gotische Architektur des Konstanzer Münsters dafür die passende Kulisse abgab.

Das Gegenstück zu diesen geistlichen Gesänge bot in einem anderen Konzert, das passenderweise im Konzilgebäude direkt am See stattfand, das deutsche Ensemble Capella de la Torre. Es ließ die Musik der mittelalterlichen Stadtpfeifer aufleben. Diesen Musikanten oblag es mit lautem Instrumentarium wie Pommern, Trompeten, Posaunen und Trommeln offizielle Umzüge und Anlässe zu umrahmen, und auch gelegentlich zum Tanz aufzuspielen. Angeführt von den Schalmeienklänge der Ensembleleiterin Katharina Bäuml offerierte die Formation ein Programm aus vielen Teilen Europas, was den zahlreichen Musikstilen entsprach, die während des Konzils in den Straßen und Tanzsälen ertönten. Im Troß der Würdenträger tummelten sich damals Spielleute aus ganz Europa in der Stadt. Vielleicht liegt es an unseren mittlerweile verfeinerten Hörgewohnheiten oder am Funktionswandel dieser Tanzweisen, dass die einstmalige Gebrauchsmusik heute als Konzertmusik doch etwas eintönig wirkt.

Die Festivalbesprechung erschien zuerst im Schwarzwälder Bote, große Zeitung in Ba-Wü.