PETE SEEGER (1919 - 2014) remembered

Pete Seeger and family on their way to a gig in 1962 at Caffé Lena in Saragota Springs, New York (Foto: Joseph Deuel)

SAM CHARTERS, writer of numerous books about the blues

Yes, I knew Pete.  The world of folk music was very small in those days, and we all knew

each other. Also, both Pete and I were close

to Folkways, beginning in the mid-1950s when Moe Asch began releasing recordings I'd done.  Pete had a kind of innocence that most of us lose somewhere along the way, and he still believed that there was a path there for us to take, and he would help us find it.  I don't know of anyone who could lead people of such different attitudes and opinions along that path - at least for part of the way.  I never sat in an audience where people didn't sing when he set them into different singing groups and in two or three minutes we all were following that enthusiastic voice wherever he was leading us.  Pete and I also knew each other through the singers and the performers I was recording for - first Fokways, then Prestige Records and Vanguard Records.  If there was something exciting that I'd been involved with, I could expect a phone call from Pete.  What I learned from him was that just one person can make a difference, and you don't ever stop.

HAPPY TRAUM, musician with Bob Dylan in the 60s

"I don't know where I'd be today if it wasn't for Pete Seeger. I’m pretty sure I wouldn't have started singing folk songs or playing the guitar and banjo, and there certainly would not have been a lifetime of writing, performing, traveling, teaching and innumerable musical adventures. I might not have even met Jane, whom I originally encountered through folk music and who has shared my life for more than half a century. I owe it all to Pete.

Back in 1954, some high school friends took me to a concert at the Brooklyn Academy of Music. There, on stage, was this tall, skinny guy, standing alone in the spotlight before hundreds of young people, playing his long-neck banjo and singing for, and more importantly with, the crowd. He sang about all manner of things that I had never heard addressed before, and  his energy, enthusiasm and engagement with the audience captivated me, electrified me. I suddenly saw music in a whole new light. It could address social issues and relate to the joys and sorrows, the history and universality, of people everywhere. I watched Pete on stage and I thought, “I can do this too!” As I sang along on "Wimoweh," "Wasn't That a Time,"  "If I Had A Hammer," and "Irene Goodnight,” I felt the thrill of being part of something vast and important. I thought that music was going to change the world.

The next day, I went out and bought a guitar. I found out about Washington Square, went to "hoots" and folk concerts, learned hundreds of songs and sang them with the image of Pete peering over my shoulder. I tried to approximate his stance, his instrumental style, and his cheer-leader's approach to group singing. I sang only songs I thought Pete would approve of, and wore his records thin -- "Darlin' Cory," "The Goofing Off Suite," "Sodbuster Ballads," and anything I could get my hands on by the Weavers. I sang of solidarity with unions, even though I wasn't a worker; peasant chants - and I certainly wasn't a peasant (never even met one). I sang songs in bad Korean, unintelligible Swahili, broken Hebrew, and other languages that Pete sang in. I was one with the miners, the farm hands, the pioneers, the whalers (still politically correct in those days), the “people.”

From the perspective of today, this all seems naive and hopelessly out-dated, but

somewhere deep inside my soul the eternal optimism of Pete's songs still rings

true. I think of those old days as sunny and warm, filled with camaraderie,

friendship and idealism, with Pete's warm voice, gentle humor and thrilling banjo leading our way to a better world. And even if that new world doesn't materialize in our lifetime, I know that one sixteen-year-old's life was irrevocably changed by the revelation of a lone man on a wide stage, singing his songs and becoming one with his audience. Thanks Pete. I'll be forever grateful.

Jeffrey Lewis, Anti-Folk-Singer, New York City
                                                                                                                                     Foto: Manuel Wagner

"In the rock and roll world where rebellion is supposed to go together with dying young, Pete Seeger was an opposite example, showing how much real work it takes to be genuinely revolutionary (not just rebellious) AND keep it up for year after year, decade after decade.  If Pete Seeger had been in the "27 club" he would have died in the 1940s, can you imagine that?!?  Jim Morrison and Kurt Cobain and all those other "rebellious" icons just look like tiny specks compared to a man like Pete who had to keep the spirit and body and dedication and focus and compassion strong for an additional two lifetimes, not just for himself but for the whole world to whom he gave more than most mere musicians can ever hope to.  For young artists of today it's only a small fraction of the picture if you only know the Pete Seeger of his 80s and 90s, or even if you only know the songs from the Weavers; for myself I had mostly given him credit as an omni-present activist more than as a performer until I eventually heard the Almanac Singers recordings and some of Pete's solo recordings to hear what I felt to be his more powerful and resonating material."

Tom Paley, New Lost City Ramblers, London

"I knew Pete Seeger back in the 1940s. I think he was a great man and a true idealist, as well as an important influence on those of us starting out in the world of traditional folk-music. He was always friendly and supportive. Even without him, I'm sure I would have continued in the folk-music field, but his influence was an important factor."

Rennie Sparks, The Handsome Family,  Albuquerque / New Mexico

"Mostly I'm amazed that there was a recent time in American history when Pete Seeger was seen as a dangerous bad guy."

  

ECLIPSED Magazin / Feb 2014: KLANG DER REVOLTE - Buch des Monats

Owls By Nature - Nachts, wenn die Eulen fliegen

Neil Youngs Kinder

Die kanadischen Rootsrocker Owls By Nature gastierten auf ihrer ersten Europatour in Tübingen

                                                                                                 Fotos: Christoph Wagner

 cw. Die Eule ist ein Nachtvogel und wird erst bei Einbruch der Dunkelheit aktiv. “Owls By Nature” (= Eulen von Natur aus) nennt sich eine kanadische Band, für die ähnliches gilt: Die Musiker werden erst später am Abend munter. Nach dem Erfolg ihres Debutalbums “Backwater” ist die Gruppe aus der Stadt Edmonton in der kanadischen Provinz Alberta jetzt in Europa unterwegs, um ihre neue Einspielung “Everything is Hunted” (=Auf alles wird Jagd gemacht) der Öffentlichkeit vorzustellen. Dabei strengen sich die fünf Bandmitglieder mächtig an, ihrem Publikum einen unterhaltsamen Abend zu bereiten und ziehen alle Register der Songwriter-Kunst.

 Schnurgerader Folkrock ist ihr Markenzeichen, wie er in den letzten Jahren von Mumford & Sons wieder populär gemacht worden ist. Auf jede Art von Mätzchen und Schnörkel wird verzichtet. Die Musiker von Owls By Nature wissen, wie man Lieder wirkungsvoll in Szene setzt. Über einem soliden Rockbeat wechseln sich Melodiestimme und mehrstimmiger Chorus in vorhersehbarer Regelmäßigkeit ab. Manchmal kommen die Songs im “Up-Tempo”-Stil der irischen Pogues daher, dann wider werden sie schleppend im bevorzugten gemächlichen Zeitmaß ihres kanadischen Landsmanns Neil Young präsentiert. Abwechslung bringt gelegentlich die elektrische Gitarre ein, die immer einmal wieder zu einem kurzen Solo ansetzt, wobei Gitarrist Doc De Groot manchmal auch zur Lap-Steel-Gitarre greift, die er im Sitzen, auf den Knien liegend, heulen und wimmern läßt.

 Wenn der Keyboard-Spieler dann sein elektrisches Tasteninstrument mit einem Banjo vertauscht, steigt der Folkgehalt der Musik enorm, und im Publikum macht sich ausgelassene Tanzstimmung breit. Redlich bemühen sich die Musiker um Kontakt zu den Konzertbesuchern. Die Zuhörer werden ins Geschehen einbezogen, indem man ihnen Abenteuer aus dem Tourneeleben erzählt oder von den Vorzügen des Rotweins schwärmt und sich gegenseitig zuprostet.

Wie im Tübingen Sudhaus zu sehen war, hält sich die Fangemeinde der Gruppe zahlenmäßig noch in Grenzen. Problemlos passten alle Besucher auf ein Foto, das der Leadsänger von der Bühne herab für die Facebook-Page der Band schoß. In Berlin, wo Owls By Nature am Vortag auftraten, soll das Konzert weit besser besucht gewesen sein. Ob der Band der Sprung in eine höhere Pop-Liga gelingt, wird entscheidend von der Eingängigkeit ihrer Songs abhängen. Wer ausschließlich auf starke Lieder setzt, die bei einem Massenpublikum verfangen, ist auf Hymnen mit Ohrwurm-Charakter angewiesen. Einen Anfang haben Owls By Nature immerhin bereits gemacht.

FLASHBACKS - Konzertplakat TERRY RILEY

TERRY RILEY gilt neben LaMonte Young als einer der Erfinder der 'Minimal Music'. In seiner Anfangszeit als 'performing artist' trat Riley in Konzerten mit einer elektrischen Orgel auf, auf der er mittels Loops, sich wiederholender Melodiepartikel und einem Echogerät seinen kleinteiligen Minimalismus entwickelte, zu hören auf dem Album "A Rainbow in Curved Air', dem die britische Rockband Curved Air ihren Namen verdankte. Das Konzertplakat stammt vom März 1969.

Dazu meine Radio-Sendung über Terry Rileys Komposition 'In C' für SWR Kultur:

https://www.swr.de/swrkultur/musik-jazz-und-pop/die-ursonate-der-minimal-music-in-c-von-terry-riley-100.html

ROCK-ARCHÄOLOGIE: Multimedia in Liverpool in den 60ern

Liverpool Underground

Pop-Poetry, Rock und Performance-Art in den 60er Jahren

Ein Gastbeitrag von Benjamin Tyrs

„„Liverpool ist momentan das Bewusstseinszentrum des menschlichen Universums“, erklärte Allen Ginsberg 1965 bei einem Besuch der dortigen Avantgardeszene. Durch den Beatles-Hype in das Scheinwerferlicht der Öffentlichkeit gerückt, erschien Liverpool in den frühen sechziger Jahren künstlerisch als Stadt der ungegrenzten Möglichkeiten. In vielen Clubs der Stadt wurde nach den wilden Rhythmen einer neuen Musik getanzt, die aus Amerika kam und Rock ’n’ Roll genannt wurde. In Liverpool entstand daraus der Merseybeat, in dem die Beatles ihre Wurzeln hatten. Ginsberg traf dort auf eine lose Gruppe von Poeten –  Adrian Henri, Roger McGough und Brian Patten –  die mit neuartigen Lyrikhappenings Furore machten und eine erfrischende Alternative zu den starren und traditionellen Formen der Dichtung darstellten. Sie trugen in Pubs ihre Gedichte vor, die mit Versatzstücken aus Alltagssprache, Slang, Collagetechniken der Avantgarde sowie Elementen der Trivialkultur ein neues Publukum ansprachen.

Die Verse der amerikanischen Beat-Poeten hatten das Feld bereitet. Angeregt durch die Jazz-and-Poetry Veranstaltungen von San Francisco, wurden  in der Liverpooler Streate’s Coffee Bar ähnliche Abende organisiert. Auf der Suche nach Eigenständigkeit wurden die Ideen der Beats weiterentwickelt. Lyriklesungen avancierten nun zu multimedialen Spektakeln, bei denen Dichtung, visuelle Kunst und Rock ’n’ Roll zu einem umfassenden Kunsterlebnis  verbunden wurden.  Zu den Sounds von Popgruppen wie den Roadrunners oder den Clayton Squares wurde nun eine etwas andere  Poesie gelesen, während abstrakte Gemälde und  riesige Poster den Veranstaltungsraum schmückten.

Diese  Events, eine Liverpooler Spielart des Happening, zogen ihre Inspiration aus Erfahrungen der Alltagswelt. Die Idee zur Veranstaltung  “Death of a Bird in the City“ war Henri auf dem Weg zum Manchester College of Art gekommen, als ihm eine Möwe gegen die Windschutzscheibe flog.

„Die Kellerbar hatte einen schwarzen Boden und abgedämpftes Licht. Eine Bühne gab es nicht, aber in der Mitte einen freien Platz, um den das Publikum saß. Alles war ungeprobt und nicht professionell, aber die Stimmung war großartig, und die Zuschauer klatschten an den richtigen Stellen, während die Bar weiter Bier ausschenkte und Chips verkaufte“, erinnerte sich Carol Rudd, die bei der Performance den Vogel mimte. Die Attraktivität der Liverpool Poets bestand darin, eine literarische Lesung zu einer Show auszubauen. „Unsere Performance war theatralischer, weil wir die Vorträge strukturierten und sie mit Klang- und Soundeffekten anreicherten und außerdem Musik einsetzten,“ betonte Patten. Dadurch wurden die Lesungen für ein neues Publikum interessant, das normalerweise nicht zu einer Literaturveranstaltung gegangen wäre.

Stilistisch war alles erlaubt, sofern es beim Publikum Reaktionen auslöste. Die Figur des maskierten Poeten, eine Batman ähnliche Gestalt, sorgte für Heiterkeit. Batman mischte sich unters Publikum, um es im Wettreimen zu besiegen. „Take me back to Gotham City - Batman / Take me where the girls are pretty – Batman,” skandierte Adrian Henry. “All those damsels in distress / Half-undressed or even less / The BatPill makes ‘em all say Yes – Batman.” .

Im Zuge des Beatlesboom, der Liverpool ab 1963 über Nacht zum Nabel der internationalen Pop-Szene gemacht hatte, durchforsteten die Medien nun die Hinterzimmer der Liverpooler Pubs  auf der Suche nach möglichen Superstars. Dabei stießen sie auf Henri, Patten und McGough, die gerade dabei waren, ihr multimediales Konzept der Poetry-Performances in das Format einer Rockband zu überführen.

Adrian Henri (ganz links) und seine Band 'The Liverpool Scene'

Adrian Henri wählte  einen radikalen Ansatz. Seine Formation The Liverpool Scene mischte die neuen Underground-Sounds, Jazz, Blues und experimentelle Klangerkundungen mit einem extremen Vortragsstil, der von extrovertiertem Wortgebrüll bis zu geflüsterten Beschwörungsformeln reichte. Durch den  Brückenschlag  zwischen Experiment und Verständlichkeit wurden die Auftritte zu Popkonzerten der neuen Art und die Dichter wie Popstars behandelt: „Unsere Gedichte wurden von den Jugendlichen nicht als ’Poetry’ mit einem großen P angesehen. Für sie war es moderne Unterhaltung, ein Bestandteil der Popbewegung.“

 

KLANG DER REVOLTE: Vortrag - Underground-Klänge zwischen Kommerz und Protest

Musikhochschule Stuttgart (oberhalb vom Haus der Geschichte. Eingang: Urbanstraße)

Samstag, 18. Januar 2014 / 12:00 - 14:00 Uhr / Raum 8.28 / Eintritt: frei

Öffentlicher Vortrag: Christoph Wagner
mit rarem Fotomaterial, Film-Clips und Musik : 

Die Professionalisierung der Pop-Kultur nach 45:  
Underground-Klänge zwischen Kommerz und Protest

Von den Verwüstungen der Nazi-Ära und des 2. Weltkriegs erholte sich die westdeutsche Unterhaltungsindustrie nur langsam. Erste Impulse erhielt sie in den 60er Jahren von Rock ‘n’ Roll und Beat, wobei die ‘Star-Clubs’ eine wichtige Rolle spielten. Daneben entstand eine vitale Jazz-Club-Szene, dazu brachten die “American Folk Blues Festivals’ ab 1962 erstmals schwarzen Blues in die Bundesrepublik. Mit den rebellischen Umbrüchen der späten 60er Jahre kamen dann Underground-Rock, Freejazz und Folk bis in die hintersten Winkel der Provinz, oft getragen von idealistischen Initiativen aus Schüler, Lehrlingen und Studenten. Im südwestdeutschen Reutlingen entstand etwa ein politisch-kultureller Vereins namens ‘GIG’, der auf nicht-kommerzieller Basis Konzerttourneen mit englischen, amerikanischen und deutschen Rock- und Rockjazzgruppen in der Bundesrepublik durchführte, aber auch gegen die “Ausbeutung” der Subkultur durch kommerzielle Veranstalter Front machte. 

AUGEundOHR: Akkordeon in Tahiti, 1911

Das Akkordeon verbreitete sich in der 2. Hälfte des 19. Jahrhunderts nahezu um den gesamten Erdball und veränderte etliche traditionellen Musikstile drastisch. Hier eine Bildpostkarte aus Tahiti aus dem Jahr 1911. Zu sehen sind vier Frauen, von denen eine eine 'Chemnitzer Concertina' spielt, ein dem Bandoneon verwandten Instrument, das vor allem in Ostdeutschland hergestellt wurde. Die Exportkanäle der Harmonika-Firmen waren weit verzweigt. Die größte von ihnen, die Firma Hohner in Trossingen in Südwestdeutschland, lieferte in den 1920er Jahren Instrumente in mehr als 100 Länder.

Mehr darüber in:

Christoph Wagner: Das Akkordeon oder die Erfindung der populären Musik - eine Kulturgeschichte. 235 Seiten, mit zahlreichen z.T. farbigen Fotos, Schott Verlag, 29,95 Euro

Der Musikhistoriker zeichnet in diesem umfassenden Werk über das Akkordeon die global verästelte Historie des “hässlichen Entleins” unter den Musikinstrumenten nach sowie seinen Aufstieg von der einst verpönten “Schweineorgel” zum gefeierten Konzertinstrument.